Zhaoming Wu nació y se inició en la pintura en China, se trasladó a EUA. Ahora está trabajando y dando clases en la Academy of Fine Art University en San Francisco. Ha recibido innumerables premios por sus trabajos.  En una entrevista declara que “Cuando estoy mirando al modelo, súbitamente la silueta del cuerpo me recuerda montañas o colinas y la luz parece un amanecer o atardecer. Y cuando la luz incide sobre la figura, la ropa y telas me recuerdan el movimiento del agua. En ese momento me doy cuenta que estoy teniendo una respuesta muy personal del modelo.”. Presenta una deliciosa combinación de abstracto sobre figurativo. La figura femenina -tema que parece demasiado recurrente en muchas exposiciones- la trata de manera original, haciendo que no veamos “un torso más” sino que sabe cautivar la atención del espectador tanto por el enfoque como por los colores empleados. El paisaje lo trata de forma sencilla pero contundente. Creo que no os defraudará visitar su web:    http://www.zhaomingwu.com

Adjunto una pequeña muestra de su obra que ejemplifica los comentarios previos y espero que os incite a conocer más a este artista. Espero vuestros comentarios. Hasta pronto.

 

 

La artista Vanessa Tiegs, en lo que ella denomina como “crear una imagen positiva de la menstruación” ha realizado un conjunto de  88 obras en las que el medio empleado ha sido su propia sangre menstrual. Lo argumenta diciendo que “vivimos en un universo de ciclos incontables. Nuestras vidas consisten en ciclos dentro de otros. Y las mujeres experimentan un ciclo de renovación que parece corresponder a las revoluciones de la luna alrededor de la tierra.”.  Tal actuación, como mínimo, no deja indiferente al espectador, es él quien decide si lo considera arte o no, es él quien se decide por la admiración o la repulsa. En cualquier caso, os dejo una muestra de su obra (titulada “pájaro de sangre”) y un enlace a la página en la que desarrolla su trabajo.

http://spiralingmoon.livejournal.com

 

  En 1841 un pintor americano residente en Gran Bretaña patentó el tubo de pintura substituyendo los  recipientes hechos con piel. Su aportación permitió a muchos artistas llevar facilmente las pinturas fuera del estudio. Como dijo Renoir “sin los tubos de pintura, no existirian los impresionistas”. Hemos de agradecerle  un elemento de uso tan cotidiano para los que pintamos (tambien cabe destacar que en poco tiempo se aplicó su invento para la pasta dentífrica). Murió en la ruina después de intentar un invento que permitiera prolongar el sonido de las notas del piano.  

 En relación a  la historia de la pintura me ha surgido una pregunta, quién fue  la primera mujer pintora?. Después de comprobar el relevante papel que algunas de ellas realizaron durante la Grecia clásica parece haber un salto hasta el siglo XVI en el que aparecen varios nombres propios. Para iniciar el debate, creo que es de justicia citar como primera pintora a Sofonisba Anguissola y dejar abierta una línea para que aportemos diferentes nombres para ir dándoles nuestro reconocimiento. Segun Wikipedia: Sofonisba Anguissola (también escrito Anguisciola; Cremona, h. 1532 - 1625) fue una pintoraitaliana, la primera mujer pintora de éxito del Renacimiento.

Sofonisba nació en Cremona, Lombardía alrededor de 1532; era la mayor de siete hermanos, seis de ellos niñas. Su padre, Amilcare Anguissola, pertenecía a la nobleza menor genovesa. La madre, Bianca Ponzone, también era de familia influyente de pasado noble. Su madre murió cuando Sofonisba era muy joven, entre cuatro y cinco años.

El padre animó a sus hijas a que buscaran su perfeccionamiento a través de la educación, lo cual era inusual para la época. La más destacada fue Sofonisba. Estudió con los pintores locales Bernardino Campi y Bernardino Gatti (llamado Il Sojaro).

En 1554, a los veintidós años, Sofonisba viajó a Roma, donde realizó bocetos de escenas y de personas. Conoció a Miguel Ángel, de quien tuvo un aprendizaje no oficial durante los dos años siguientes.

Pintora especialmente de retratos, fue a Milán en 1558, donde pintó al Duque de Alba, quien la recomendó al rey español Felipe II. Al año siguiente, Sofonisba fue invitada a la corte española, lo que supuso un enorme reconocimiento a su talento.

Sofonisba Anguissola llegó a Madrid en el invierno de 1559-1560, para servir como pintora de corte y dama de la reina, Isabel de Valois, la tercera esposa de Felipe II que se acababa de casar. Pronto obtuvo la estima y la confidencia de la joven reina.

Anguissola pasó los años siguientes retratando sobre todo retratos de corte oficiales, incluyendo los de la reina y otros miembros de la familia real, la hermana de Felipe II Juana, y su hijo, Don Carlos. Sus pinturas de Isabel de Valoir y de Ana de Austria, la cuarta esposa de Felipe II, son vibrantes y llenos de vida.

Se casó dos veces, la primera, en 1571, con Don Francisco de Moncada, hijo del príncipe de Paterno, virrey de Sicilia, con dote dada por el rey. Después de dieciocho años en la corte española, Sofonisba y su marido abandonaron España en 1578, marchando a Palermo, donde el marido murió al año siguiente. Se volvió a casar en enero de 1580 en Pisa. Se establecieron en Génova, donde ella siguió pintando en su propio estudio. No se limitó a retratos, sino que realizó temas religiosos, como en su juventud. 

Gregory Packard un impressionista que m’ha impressionat: colors radiants, pinzellades fetes amb decissió i domini del medi.  Val la pena que visiteu la seva web:http://www.gregorypackard.com/front/packard%20writing.htmlJa em donareu la vostra opinió. 

En un blog en àrab d’un egipci (http://hosam-sunray.blogspot.com) he trobat aquest dibuix que em sembla bastant divertit. S’ha d’anar en compte amb els dibuixos massa realístics!

En resposta a un correu, la Ilana Yahav ha escrit:

Thank you so much.

You words moved me!

I attach a new clip for the New Year.

Happy New Year!

Ilana

Ilana Yahav

Sand Artist

www.sandfantasy.com

Es recomanable anar a la seva pàgina i veure els seus treballs.

BON ANY 2008!!

Us recomano que visiteu la web d’aquest artista valencià: www.alejandrocabeza.com

Isabel Guerra «Quiero transmitir un mensaje de paz y esperanza»

Presentació sobre les obres d’Isabel Guerra. Sorprenent!

Cliqueu aqui:  obras_de_isabel_guerra.pps  

La monja pintora presenta ‘El libro de la paz interior’, de imágenes y reflexiones.

Isabel Guerra es una monja cisterciense cuya afición a la pintura le ha llevado a exponer en las principales galerías. Ahora nos muestra  su obra en un libro.¿Es un libro de pintura? Yo soy más pintora que escritora, aunque he colaborado en alguna revista. En este libro se recogen mis pinturas, pero también algunos textos espirituales que pretenden transmitir el mismo mensaje que mis cuadros: paz y esperanza para el hombre de hoy. ¿Qué llegó antes: la llamada artística o la espiritual? Comencé a pintar a los 12 años y aprendí yo sola, de forma autodidacta. Pero a la vez sentí la llamada de Dios, aunque es una decisión que se madura durante un poco más de tiempo. ¿Cuáles son sus temas preferidos? Intento recoger ambientes de paz y de encuentros con uno mismo. Son temas de la vida cotidiana en actitudes reflexivas. Lleva mucho tiempo en Zaragoza, ¿se siente de aquí? Yo siempre digo que tengo dos ciudades, Zaragoza y Madrid, y son los dos lugares en los que he vivido y he expuesto. Aquí me siento muy querida y la exposición que presenté en la Lonja fue una de las más visitadas. ¿Qué es lo que más le gusta de su faceta de pintora? Lo más gratificante es cuando alguien me comenta que mis cuadros le transmiten paz porque es lo que yo busco, que mis pinturas inviten a meditar. * Monasterio cisterciense de Santa Lucía (Maestro Racional, s/n), 12 h. Gratis. BIO Nació en Madrid en 1947 y vive en Zaragoza desde los 23 años

 l’Antonio, ens ha escrit:

Hola!

 

Si podeu mireu al google “Antonio López, pinturas ( http://www.aut.org/BU04?Autnum=5.787)”, són hiperrealistes, tot i que moltes vegades no sabem per què es diuen així; a mi m’ agraden molt des de sempre. Envio una mostra qualsevol i així podeu dir que aquí no cal interpretar res i és un descans entre tanta “basura”.

Una forta abraçada. Antonio

Antonio López García

Pintor de estilo hiperrealista, identifica la temporalidad y el deterioro de lo material. Antonio López García es, en definitiva, un artista que busca dentro de la realidad que lo circunda los aspectos más cotidianos, los cuales están tratados con un enorme detallismo fotográfico como bien está demostrado en su obra titulada “Cuarto de baño”.

Una vida “pintada”
Es Antonio López García un pintor español que nació en Tomelloso, Ciudad Real. Se lo ha considerado como el padre de la escuela hiperrealista madrileña, estilo que ha influido en artistas como Toral o Villaseñor. Se formó junto a su tío, también pintor, Antonio López Torres.

Entre 1950 y 1955 estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Una vez finalizados sus estudios, alternó su trabajo entre Tomelloso y Madrid. Y fue en ese entonces cuando realizó sus primeras exposiciones individuales (entre 1957 y 1961) en esta última ciudad.

En 1961 se casó con la también pintora María Moreno, con quien tuvo dos hijas: María y Carmen. Desde 1964 y hasta 1969 fue profesor encargado de la Cátedra de Preparatorio de Colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

Su obra está influida por Salvador Dalí de quien tomó el gusto por la realidad y el predominio del dibujo sobre la pintura. Asimismo, en su estilo hiperrealista se identifica la temporalidad y el deterioro de lo material. Antonio López García es en definitiva un artista que busca, dentro de la realidad que lo circunda, los aspectos más cotidianos tratados con un enorme detallismo fotográfico como bien está demostrado en “Cuarto de baño”. Asimismo, su obra fue adaptada al cine por el director cinematográfico Víctor Erice en el film titulado “El sol del membrillo” (1992).

Su obra y reconocimiento
Su obra abarca desde lo pictórico -donde se encuentran “Los novios” (1955), “Cuarto de baño” (1969) y “La Gran Vía” (1974 - 1981)- hasta lo escultórico -en donde está representado “Hombre y mujer” (1968)-. También se destacan “Madrid desde Torres Blancas” (1982), retratos de sus propios familiares, elementos de la naturaleza, “Membrillos y granados”. Los objetos y los sucesos de la vida ordinaria son los protagonistas de sus cuadros.

En el año 1985 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias; y en enero de 1993 fue nombrado miembro de la madrileña Real Academia de San Fernando.

En Antonio ens ha enviat la següent pregunta: Quants cercles hi ha en aquesta figura?…………… Surt a la pàgina web més visitada “microsiervos.com”. Realment una passada, per científics i aficionadillos com jo. 

Gràcies Antonio, segueix enviant-nos coses que trobis interessants.

En esta permanente búsqueda sobre qué es arte y quién es artista  no es extraño encontrar obras en las que el artista nos muestra montones de basura que al ojo del observador “poco cultivado” resultan ininteligibles y, a veces, nos desorientan más cuando nos dicen el titulo o las diferentes interpretaciones que de  ella hacen el autor o sus críticos. 

Navegando por este “oceanoso” internet, he visto unas obras de Tim Nobel y Sue Webster:

  Pero, en esta ocasión, esos montones de trastos, con una correcta iluminación, nos muestran un resultado bastante diferente (colocando el cursor encima de la imagen la podreis ver ampliada):     

    

Con una cierta sonrisa en los labios, les agradezco a estos artistas su habilidad  para sorprendernos tan gratamente. 

Potser ja ho heu vist en un anunci de la tele, però aquesta forma d’art es molt sensual i divertida

Lo de natura morta causa un cert malestar per les evocacions que produeix que no poden ser més desagradables .  Tanmateix quan es defineix com  “Gènere pictòric que té com a tema exclusiu objectes inanimats de diversa índole: fruita, flors, instruments de música, gerros, llibres, etc.”  i no m’imagino perquè s’han de considerar els instruments o gerros com a quelcom natural i menys com a morts.  El terme  «bodegón» el trobem a l’any 1.599 en la testamentaria de Pantoja de la Cruz per a referirse a aquesta mena d’obres.  En el Tesoro de la lengua castellana y española, de Sebastián   de Covarrubias de 1611, apareixen els termes  «bodegón»  com a «sótano o portal baxo, dentro del qual está la bodega [a la que abans Covarrubias ha descrit com: cueva donde se guarda el vino], a donde el que no tiene que le guise la comida la halla allí aderezada y juntamente la bevida, de manera que sedixo de bodega», i  «bodegonero» que el defineix  com «Son los que tienen bodegón, que ordinariamente andan suzios y grassientos por lo que traen entre manos, y suelen ser gordos y floxones por la vida que tienen tan viciosa, a los quales comparamos los hombres, que parecen tener su talle». Això quadraria amb escenes de cuina com la d’Alejandro de Loarte, conservada en el Rijksmuseum d’Ámsterdam.  El terme  de «bodegón» el trobem en el tractat  Arte de la pintura (1649),  de Francisco de Pacheco, el sogre de Velazquez que defensa les obres del seu gendre dient «¿Pues qué? ¿Los bodegones no se deben estimar? Claro está que sí, si son pintados como mi yerno los pinta, alzándose con esa parte sin dexar lugar a otro, y merecen estimación grandísima; pues con estos principios y los retratos, de que hablaremos luego, halló la verdadera imitación del natural alentando los ánimos de muchos con su poderoso exemplo; con el cual me aventuré una vez, a agradar a un amigo, estando en Madrid, año 1625, y le pinté un lencerillo con dos figuras del natural,  flores y frutas y otros juguetes, que hoy tiene mi docto amigo Francisco de Rioja; y conseguí lo que bastó para que las demás cosas de mi mano pareciesen delante dél pintadas. Cuando las figuras tienen valentía, debuxo y colorido, y parecen vivas, y son iguales a las demás cosas del natural que se juntan en estas pinturas, que habemos dicho, traen sumo honor al artífice».  No sé quan comencen a pintar-se aquesta mena d’obres a Catalunya.   Finalment, una proposta,  si mirem  la definició de Paisatge [1696; del fr. paysage, íd.] ART Pintura, dibuix o gravat que representa un lloc natural o urbà, no es podria ampliar aquest terme al “paisatge domèstic” per  a substituir el de natures mortes?  

L’Antonio ha escrit: ”T’envio aquesta aquarel·la, que no dibuix, de la llebre; es pot veure en el seu ull dret una finestra, la de Durero quan pintava aquesta meravella. Diuen que la va pintar amb un pinzell d’un pel !” . Com en  la major part de les obres d’aquest artista,  ens deixa  meravellats

manost.pps

Crec que tant perquè els seus resultats son els mateixos que amb els olis tradicionals com per la seva innocuïtat per a les persones i al medi, ens haurien de passar als olis solubles en aigua.

Aquí us adjunto la referència de tres de les marques que faig anar amb bons resultats .

  

Talens: óleo  H2Oil soluble en agua Es una pintura al óleo de propiedades muy especiales puede diluirse simplemente con agua y posee un tiempo de secado corto, siendo muy respetuosa por ello con el entorno; lo cual no disminuye en nada el bello aspecto de la pintura al óleo. En capas delgadas puede sobrepintarse al cabo de un día. Se mantiene la consistencia en la pincelada. La gama consta de 40 colores resistentes a la luz con pigmentos totalmente no tóxicos y completamente ecológicos. Los colores son muy brillantes y no cambian después de secar. También están recomendados para personas que tengan alergias al uso del aguarrás o la esencia de trementina.      Més informació a: http://www.talens.com/espanol/

Winsor & Newton: Artisan

Como con la pintura tradicional, los óleos diluibles en agua Artisan se fabrican con aceite de linaza y aceite de cártamo. La única diferencia esque el aceite de linaza y el aceite de cártamo usados para los colores Artisan han sido modificados de forma que puedan mezclarse con agua.Artisan se ha diseñado especialmente para que su aspecto y rendimiento sean exactamente iguales a los de los óleos convencionales. Laintensidad de color, la consistencia mantecosa, la solidez a la luz, la opacidad/transparencia, y el tiempo de acción y secado de Artisan permiten que los artistas utilicen esta serie en todas las técnicas del óleo. .La exclusividad de las formulaciones, la fabricación y el control de calidad que Winsor & Newton™ emplea en Artisan garantiza que el óleosea absolutamente excelente, siendo comparable o mejor que muchos otros óleos de calidad artística convencionales de todo el mundo.La diferencia clave entre los óleos diluibles en agua Artisan y los óleos convencionales es su capacidad de mezclarse y limpiarse con el agua.Los artistas que usan óleos convencionales tendrán que utilizar disolventes como trementina o aguarrás (aguarrás mineral). Por el contrario,Artisan puede diluirse con agua para pintar, y todos los pinceles y herramientas pueden limpiarse con jabón y agua solamente; no es necesariousar disolventes peligrosos. Como consecuencia, el artista disfruta de un ambiente más seguro, y junto con el folleto ayuda a desarrollar unapráctica de estudio más segura. Més informació a: http://www.winsornewton.com/mainES.php

 

Titan: Armonia

Los COLORES AL OLEO TITAN ARMONIA son perfectamente solubles en agua. Por su especial composición, el secado de la pintura es algo más rápido que los óleos tradicionales. Los COLORES AL OLEO TITAN ARMONIA pueden aplicarse sobre los mismos soportes que el óleo tradicional: lienzo, tablex, cartón entelado, etc. y empleando las mismas técnicas y procesos de pintado. Además, los COLORES AL ÓLEO TITAN ARMONIA son inodoros e inocuos y respetuosos con el medio ambienteMés informació a:

ww.titanlux.es/bellasartes/esp/fr_belart_colsol.html

Més o menys així devien de ser les classes a l’antic Egipte….

Creieu que la opinió dels crítics d’arts obeeix a criteris de qualitat de l’obra (o estètica) o que estan basats en criteris de “moda” o “mercantilístes”?(cliqueu sobre la imatge)

Retrats, escenes, tractades d’una forma simple però impressionant. Tracta la llum d’una manera genial. http://www.burdicklyon.com/2007SusanLyon.htm