XIX Fira d’art de Salàs de Pallars. Artista invitada: Francisca Blázquez

En la presente edición de la Fira d’art hemos disfrutado de la presencia de Francisca Blazquez que nos ha sorprendido con sus obras y, especialmente a mi, por un video-montaje con el que logra que te introduzcas en su obra y comprendas el simbolismo de alguna de sus figuras. 

Tambien he de reconocer que a nivel personal me encontré francamente bien atendido por Francisca Blázquez, desde aqui mi más sincero agradecimiento.

Para acceder a la web de esta artista:  www.franciscablazquez.net

La Fira contó asimismo con la presencia de dos importantes críticos de arte: Arte Josep M. Cadena y Joan Lluis Montané. 

Hasta la próxima edición!

XIX Fira i concurs d’Art de Salàs de Pallars-2009: “El esfuerzo”, premiado.

En la edición de este año del concurso de arte de Salàs de Pallars, he obtenido el primer premio con la obra titulada “L’esforç” (el esfuerzo). Un óleo de 100×80 cm que nació fruto del interés hacia la forma compleja de una bola de metal que encontre en la tienda de decoración “Casa Mestre” de La Pobla de Segur combinada con la simplicidad formal de un maniquí de madera.  

L'esforç

Un pulso entre profesor y alumno

 

Al recibir  la noticia del premio, no tardé en comunicarselo a mi maestro y amigo Miquel Seguer . Les agradezco a él y a su esposa que acudieran a compartir esos momentos felices.    

 

 

 

 

 

 

El segundo premio fué para Andres Saiz con una elaborada obra en gran formato              

 

 

 

 

 

Finalmente el accésit fué para Joel Martinez Miró por una obra caracterizada por la simplicidad de unos trazos sobre un fondo negro.

Andrew Wyeth: in memoriam

 

Wyeth fotografiado por Peter Ralston

Andrew Wyeth nacido el 12 de junio de 1917 falleció el pasado 16 de enero a la edad de 91 años. Reconocido como pintor realista, a menudo definido como de realismo mágico, con un estilo regionalista. Wyeth afirmó  “Magia! Es lo que hace sublimes a la cosas. Marca la diferencia entre el arte profundo de un cuadro y la pintura de un objeto”. En su obra hay que encontrar metáforas que se relacionan con temas de recuerdos, nostalgia y pérdidas. Su vida y su obra se realizaron entre Pennsylvania y el estado de Maine.

Fue el menor de cinco hijos del artista y ilustrador Newell Convers Wyeth. De su familia han surgido otros importantes artistas. Su formación se la debió a su padre que desde los 15 años le sometió a una intensa disciplina para aprender las técnicas del dibujo (pasó horas dibujando y redibujando bodegones y esqueletos humanos entre otros temas). Refiere que mientras estaba pintando meticulosamente una acuarela, se le acerco su padre, cogió el pincel, lo lleno de pintura y realizó unas pinceladas sueltas y le dijo “Andy, tienes que liberarte”, fue uno de aquellos consejos que quedaron grabados en su mente. 

 

Winter farm scene (57.8 x 78.7 cm)

Con sólo 20 años realizó su primera exposición de acuarelas en la Macbeth Gallery de New York, vendiendo la totalidad de las obras expuestas. Empezaba a ser una celebridad mundial. Encontrando la acuarela demasiado fácil decidió introducirse en el arte del temple al huevo (clara de huevo mezclada con pigmento puro)  ayudado por  su cuñado Peter Hurd. Era admirador de la obra pintores renacentistas y pintores americanos, especialmente de Winslow Homer.

 

Brandywine Valley (55.6 x 76.3 cm)

Se casó en 1940 con Betsy James y tuvo 2 hijos Nicholas y Jamie.  En 1945 murieron su padre junto con un sobrino de 3 años en un trágico accidente con el coche en el que viajaban al ser arrollados por un tren. Wyeth reconoció que ese hecho, además de ser una tragedia personal, iba a marcarle emocionalmente su carrera. 

“Christina’s World” (81.9 x 121.3 cm)

 

En 1948, estando en la granja de los Olsom, en Maine, pintó una de  sus obras más popularizadas y de mayor influencia,  “Christina’s World”, ahora  propiedad del MOMA de Nueva York.  Christina padecía una enfermedad degenerativa que fue progresivamente debilitando su musculatura hasta que la impidió caminar. Christina se negó a utilizar la silla de ruedas, quizás para evitar verse como su padre que ya en 1922 tuvo que depender de una. En el momento en que Wyeth empezó esta obra, Christina tenia 55 años y tenia que arrastrarse, como en la imagen en que se está dirigiendo hacia su hogar. A pesar de su enfermedad fue una buena modista (el vestido que lleva en el cuadro lo había realizado ella misma). A partir de una serie de bocetos y empleando a su esposa como modelo para el torso, Wyeth empezó el cuadro, primero pintando la hierba, brizna a brizna; posteriormente añadió los edificios y finalmente la figura femenina. Para el cabello empleo como modelo a una tía suya. El zapato lo encontró en una casa abandonada. Los detalles de sus brazos y muñecas transmiten un estremecimiento al espectador.  Esta obra ha tenido mucha influencia en la cultura: en pintura, en novelas  e incluso en el cine (aparece en 2001: una odisea en el espacio; en Días de cielo;  en Verano de seducción, etc.) . Incluso hacen referencia a ella en Los Simpsons y Snoopy. En ese año empezó a pintar a  sus vecinos Anna y Karl Kuerner. Ese entorno se mantuvo como uno de sus principales sujetos durante casi 30 años.

Mrs. Kuerner

 

 A la edad de 33 años, las manchas de sangre que aparecían en su almohada condujeron a que le descubrieran las bronquiectasias que afectaban a sus pulmones. Fue sometido a una drástica intervención en la que le abrieron el tórax de arriba abajo,  para extirparle una parte de su pulmón y con repercusiones sobre su musculatura que le hicieron pensar que jamás volvería a pintar. Durante su convalecencia pintó The Trodden Weed aunque para ello tenia que suspender su brazo con poleas fijadas al techo. Las botas de caballero francés  que aparecen en el cuadro pertenecieron a Howard Pyle (maestro de su padre) y fueron un regalo de navidad de su esposa. Wyeth se las ponía en sus largos paseos para recuperarse. Explicó que “esa pintura viene a significar la relación entre mi grave enfermedad y el rechazo a aceptarla, una especie de huida”. 

The Trodden Weed

 A medida que se recuperó continuo con su trabajo y enseñado a pintar a su hijo Jamie. Este aprendió rápido y  empezó a cotizarse. De manera que mientras miraba el flamante Corvette de su hijo, comentó “Algún día seré conocido como el padre de James Wyeth”.

Desarrolló una complicidad emocional con la tierra y el mar que recorría en interminables paseos y  que después de docenas de estudios a lápiz o acuarela convertía finalmente en obras a la acuarela, con la técnica del pincel seco o con la tempera al huevo.

Pennsylvania landscape (89,5 x 119,7 cm)

 

 

 

Christina Olsen

 En 1969 murió Christina Olsen y centró su atención hacia Siri Erickson de la que realizó impresionantes desnudos como el de Indian Summer (1970).

 

Indian Summer

En 1986 reveló la existéncia de una serie de casi 250 obras (bocetos, estudios, dibujos, 32 acuarelas, 12 obras a pincel seco y 5 temperas) basadas en su vecina Helga Testorf y que llevo a cabo desde 1971 a 1985. Con la particularidad de que ni la esposa del pintor ni el marido de Helga conocieron la existencia de dichas obras hasta la citada revelación.  Wyeth reconoció el amor hacia Helga como un amor hacia un objeto o un paisaje y con ese sentimiento la plasmó en sus obras. Actualmente dicha colección es propiedad de un industrial japonés.

Helga: lovers

La crítica fue, generalmente, negativa por considerarle como un ilustrador sentimental en un momento en que el arte abstracto y el expresionismo estaban en auge, pero el público  le profesó un impresionante reconocimiento y admiración por entender que su obra tenia un alto contenido emocional, simbólico y una subyacente abstracción. Incluso a algunos observadores les parecer oír los sonidos procedentes de obras como Distant Thunder (1961) o Spring Fed (1967).

Distant Thunder

Spring Fed

Day dream

 Wyeth comentó en una entrevista en el 2008 que “La gente sólo te provoca un viraje en tu trabajo. No quiero enseñarle a nadie en lo que estoy trabajando. Si no les gusta, es malo y si les gusta, también lo es. El artista debe trabajar en la intimidad para ser  bueno”.

The carry

 

 

 

 

 

 

 

Fue galardonado con innumerables reconocimientos a su obra:

-       2007, National Medal of Arts

-       1963, Presidential Medal of Freedom

-       1977, elegido por la Académie des Beaus-Arts (el segundo pintor americano después de John Singer Sargent)

-       1980, elegido por la Royal Academy británica

-       1988, Congressional Gold Medal (el mayor honor civil para un americano)

 Para más información sobre el autor y su obra:

http://www.andrewwyeth.com/

 http://www.brandywinemuseumshop.org

http://www.museumsyndicate.com

Podeis realizar búsquedas en Youtube con varios buenos vídeos

Libros:

 

 

 

 

 

 

 

Bev Doolittle: pintora implicada en la conservación de la vida salvaje y el respeto a los indios americanos.

Pintos

 

Esta entrada enlaza con una anterior, la de “Quants cavalls hi veieu?”, una pintura en la que aparecen camuflados 5 caballos entre las rocas y la nieve. En principio sólo parece un divertido juego, un entretenimiento de algún artista ingenioso. La búsqueda del autor, en este caso autora, me ha llevado a conocer a la reconocida (y bién cotizada) Bev Doolittle, sus obras -acuarelas en su mayoría- y su implicación con diversas organizaciones conservacionistas con las que colabora aportando anonimamente una parte de los ingresos de las ventas de sus obras.

 

Bev Doolittle, nació en 1947 en California en el seno de una familia numerosa. Ya de niña destacó por su creatividad artística. En 1968 se graduó en el Art Center College of Design de Los Angeles, donde conoció a Jay con el que se casó y iniciaron un periodo de cinco años dedicados a la publicidad y TV. Aunque reconoce que era un trabajo bien remunerado, decidieron dejar la ciudad y adquirieron una caravana con la que recorrieron Estados Unidos y  Canada.  Se confiesa una amante de la naturaleza. Dice “intento mirar más allá de lo obvio y crear obras únicas, representaciones significativas de nuestro salvaje oeste y de sus habitantes. Empiezo con un concepto y procuro convertirlo en un diseño sólido lleno de detalles realistas. Quiero que la gente piense cuando estén contemplando mis pinturas”

Sus obras son auténticos “best seller”. Sus imágenes dentro de otra imagen retan al observador a buscar algo más de lo que inicialmente han visto sus ojos. Combina los caprichoso con lo místico y lo espiritual con sus particulares conceptos de “camuflaje”. 

 

Two Indian Horses

 

Los dos indios

 

 

 

Two Indian Horses, una de las más populares obras de camuflaje. En una estudiada composición en la que los caballos dirigen la mirada hacia el soldado de la derecha mientras que dos indios piesnegros se agazapan dando lugar a que sospechemos que alguna cosa inesperada esta a punto de suceder.

Una obra de 108×40 cm en edición limitada que puede adquirirse por unos 3750.00$.

 

The forest has eyes

En este se trata de compartir las emociones del jinete que debe “leer” en las hojas, ramas y  piedras que va encontrando porqué de ello puede dependerle la vida. También hemos de verlo como la historia de un hombre que atraviesa territorio indio con los temores que esto debe producirle. Pero otro mensaje es el de su soledad durante días que provocan que en su imaginación vea rostros ocultos. Finalmente, quién no ha tenido la sensación de ser observado cuando se encuentra en medio de un bosque?

 

Prayer for The Wild Things

La pregaria del Jefe Pluma de águila, dándole las gracias al Gran Espiritu por las criaturas salvajes con las que comparte el mundo. Después de meses de trabajo, Bev consiguió representar 34 animales de 26 especies distintas. Sirvió de base para un trabajo conjunto con Paul Winter que compuso la música que complementa la obra.

 

Earth is my Mother

La Tierra es mi Madre, pertenece a un libro en el que se cuenta la historia de Sarah, una niña de 11 años luchando por preservar la fragilidad de un cañón del desierto ante su prevista  urbanización.

Hide and Seek

El Escondite es una colección de 24 obras en las que esconde a un pony pinto en un paisaje nevado. Reunidas convenientemente forman el mensaje.

 

 

Sacred Circle

 

 

 

 

Walk Softly

 

 

 

Album Sacred Circle

El Círculo Sagrado expresa la belleza y la  ”medicina” de la naturaleza, con el círculo como símbolo de la vida. La “medicina” de los indios conecta a la persona con el Gran Misterio y todo lo viviente. El Círculo comprende una serie de metáforas en que la vida, los animales y sus actitudes, aportan lecciones de cómo vivir.  El ser humano debe ser el guardián de este círculo protegiendo y preservando el entorno natural. La huella del lobo suele ser lo único que los humanos vemos de él. Aquí, el espíritu del animal aparece para invitarnos a disfrutar de la vida salvaje sin destruirla.

 

 

When the Wind Had Wings

 

 

Eagles Flight

 

Hay una série de libros de/o sobre la artista: Art of Bev Doolittle, The Earth is my Mother, The Forest has Eys y Reading the Wild.

El enlace con su página web: www.bevdoolittle.net

Podeis ver unos videos de youtube en los que se ve a la artista trabajando o sus obras (pulsad el triangulo “atrás” para regresar a esta página).

http://es.youtube.com/watch?v=IU36-kCNelQ

http://es.youtube.com/watch?v=2DXenr_QnM4

 

 

Woodland Encounter

Un estudio de camuflaje, en el que el rojo color de la zorra atrae la atención del observador, mientras que escondidos estan los peligros reales…

Gustau Chalamanch: exposición en La Pobla de Segur

Entre los días 20 de diciembre y 6 de enero (de 18 a 21h), el artista Gustau Chalamanch realizará una exposición en  el Molí de l’oli. 

Nacido en La Pobla en 1961, fue discípulo de artistas como Miquel Villà y Enric Porta, de los que supo coger el relevo y progresar hasta su actual y característico estilo. Es capaz de convertir el detalle aparentemente más irrelevante de su entorno en una sólida obra de arte. 

Es una exposición  que no nos podemos saltar.

Os adjunto un par obras suyas para los que aun no lo conocéis. 

 

Bucle: historia de un cuadro

Al contemplar una obra, me gusta imaginarme “en la piel” del artista, hacer suposiciones de cómo ha ido componiendo el cuadro, qué ha intentado expresar, la técnica que ha empleado hasta llegar al cuadro final. Por este motivo permitidme que os exponga la historia de “Bucle”, un óleo sobre tela de 170×80 cm.

La obra estaba destinada a un concurso de arte de Salàs de Pallars. Ya de entrada, imaginaba una forma amarilla resaltando sobre un fondo uniforme. La forma, primero una mancha, fue tomando diversos aspectos hasta que empezó a pedir volumen. Iba alternando desde una masa abstracta e inconexa hasta figuras más reconocibles. Una esfera que devino una figura de sección tórica (como un inmenso donuts) que progresivamente se elongó y retorció y se abrió hasta llegar a la idea de un bucle. El bucle debería proyectar una sombra sobre el fondo con lo que se uniría a este. Uno de los extremos no iba a aparecer, el otro terminaría de manera imprecisa, para que cada espectador interpretará que desde un origen desconocido se llegaba a un final o viceversa. Por otra parte tenía que  representar con exactitud los diferentes entrecruzamientos pero sin llegar a quedar demasiado “relamido”.

Una vez expuesta la obra, fue divertido escuchar las discusiones entre los espectadores en las que cada uno defendía su propia tesis sobre de qué objeto se trataba. He de reconocer que fueron mayoría los que lo quisieron  identificar como una manguera de jardín. A los que me buscaban para que les corroborase su acierto les respondía con una sonrisa que les dejaba convencidos de que habían descubierto el significado del cuadro. 

Para mi, lo importante era que no pasaran delante de la obra sin que ésta les invitará a detenerse y contemplarla. Creo que eso, si que lo conseguí.

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“15è Concurs de pintura ràpida al carrer. Talarn. 8 i 9 novembre de 2008″: FUÍ COLA DE LEON…

En primer lugar, felicito al Ayuntamiento de  Talarn por haber llegado a la 15ª edición de este concurso. Les hago dos sugerencias: 1) Deberían pensar en una solución para evitar la larga cola en la calle y con frío para realizar la inscripción 2) En la entrega de premios, montar una tarima que permita ver a los artistas, organizadores y patrocinadores (el acto se realizó en una sala abarrotada de gente y difícilmente el público podía ver lo que ocurría). En cualquier caso, como residente en el Pallars, es una alegría  disfrutar de eventos de esta categoría.

Con mi hijo Víctor de 8 años, “nos tiramos a la piscina”: nos presentamos al concurso de pintura. Ya sólo al llegar, cuando vimos la cola de primeras figuras de la pintura que estaban esperando para inscribirse, tuvimos ganas de desaparecer. Pero nos inscribimos y fuimos a buscar un rincón para pintar. A mi hijo le pareció bien la “FONT DE CAPS” y empezó a hacer borradores en un bloc. Yo inicié el bosquejo de mi cuadro. Pero en mi cabeza se repetían la imagen y las palabras de mi queridísima esposa cuando, la noche anterior,  le expuse mi proyecto: frunció la nariz y me preguntó “¿Y, por qué no pintas árboles que se te dan muy bien?“. Ya sé que lo anterior no sirve de excusa, que fue un comentario bienintencionado, y que la realidad era que yo pretendía afrontar un reto con gran dificultad y mínima experiencia por mi parte. Mi mano empezó a no querer responderme -quizás también por el frío que hacía por aquella densa niebla que nos envolvía-. Sentí como cuando tienes prisa porque vienen invitados a cenar  ¡Y SE TE CORTA LA MALDITA MAYONESA!.  Cuando ya tuve una buena dosis de desánimo, inicié una segunda obra encima de la primera… buscaba un motivo sin que tuviera que moverme y dejar a mi hijo sin responderle a sus constantes preguntas de “Papa ¿qué te parece lo que hago?” (reconozco que yo solo murmuraba algo así como “… muuuy bien, ¡sigue, sigue!”. Segundo intento y “se volvió a cortar la mayonesa”. ¿Iba a rendirme? : jamás.  Así que me di la vuelta en busca de algún motivo que me sirviera de inspiración, lo único que encontré fue esto:

Alrededor de mediodía, había consumido la mayor parte del tiempo concedido (de las 10 a las 14h). Sobre una tela ensuciada por los bocetos de las dos obras previas empecé a aplicar “pegotes” de pintura con un resultado que reconozco como una de mis peores obras:

Pero bueno, me alegré de la experiencia, tuve la ocasión de codearme con grandes artistas, y me sentí muy digno como  ”cola de león” (sólo hubo un par de cuadros que consideré igual o peor que el mío).

Se concedieron 8 premios, creo que bastante bien dotados económicamente. El jurado, como parece que viene siendo costumbre, hizo “alguna de las suyas” pero no soy yo quien voy a cuestionar su “inapelabilidad”. Os dejo alguno de los primeros premios:

1er premio (1200€): Aida Mauri

 

2º premio (950€)

 

3er premio (850€)

 

 

4º premio (750€)

 

 

6º premio(550€)

 

 

8º Premio (400€). Manel Crosa

Reconozco que he de terminar de poner los nombres de los ganadores, los premios 5º y 7º y que la calidad de las fotografías deja bastante que desear. Si alguien puede enviarme mejores imágenes le dejo mi correo: pausurribas@gmail.com.

He de incluir una de las obras que más me gusto, creo que es de Manuel García:

 

Impresionante obra de Manuel García

Finalmente, como no, os presento la “opera prima” de Víctor (el cuadro de arriba a la izquierda):

 

Primer cuadro de Víctor (arriba a la izquierda)

Bufón: Óleo sobre tabla

Tengo dos aficiones: el caballo y el caballete. En la primera tengo la suerte de vivir en una zona privilegiada en la que se puede pasear por la montaña, ríos, un lago y una infinidad de caminos poco transitados. Además, cuento con algunos amigos con lo que las salidas se hacen más amenas. Entre estos, Pepe Franch y su caballo español Bufón que destaca por su nobleza. Es un caballo joven, entero, pero no tenemos problemas ni aún que mi yegua “se le insinúe”. He intentado pintar al caballo, la idea era realizar una obra sobre madera y que esta apareciera como fondo para darle un aspecto más natural y más cálido al cuadro. Después de un par de intentos os presento el resultado. He intentado dejar que la pinceladas marquen los volúmenes sin llegar a profundizar en el detalle. En algunas zonas, no he cubierto la madera para que actúe como sombra y armonice el conjunto. Espero que a Pepe (y, sobretodo, a Carola -su novia-) les guste lo suficiente como para no dejarlo en un armario.

 

 

 

"Bufón", óleo sobre tabla, 50x50cm

Fernando Rivero: pintor realista naturalista

Sorprendido, me he quedado mudo, inmóvil. Estaba realizando una búsqueda de imágenes en Google, iba pasando las docenas de páginas tan rápido como podía para buscar mi objetivo. Pero una imagen determinada me ha frenado bruscamente. Estoy mirando óleos, muchos de una forma fugaz, a algunos les dedico una breve mirada crítica,  algunos ignorándolos, pero he sentido que tenia que pararme y ver quién había realizado esta obra:

"Manzanas", Oleo sobre lienzo, 46 x 38 cm.

 Cualquier comentario sobre la maestría del autor seria poco. Pero, estoy seguro, de los incontables bodegones con manzanas que hemos visto este tiene un “algo” especial que seguramente los críticos de arte intentarían definir después de emplear un sinfín de adjetivos y de interpretaciones. En cualquier caso, a partir de ahora me declaro ferviente admirador de Fernando Rivero Ramírez. Os dejo el enlace a su web y ya me diréis vuestra opinión: www.frivero.com

Miquel Seguer: artista y profesor

 

Seguer impartiendo una lección

En lo referente a la Pintura, y lo escribo en mayúscula para referirme a la que se realiza de una forma seria y consistente, podemos diferenciar al Pintor del Artista. Entiendo que el Pintor es aquel que con una buena dosis de oficio, ejecuta una obra técnica y académicamente correcta. El Artista, además, sabe aportar un componente personal de creatividad y originalidad a sus obras. En este sentido, creo que Miquel Seguer se ha ganado la consideración de Artista. Además, a diferencia de otros, tiene una marcada capacidad y vocación docente,  fruto de esta actividad ha conseguido que un grupo considerable de personas del Pallars nos aficionemos a la pintura.  También he de decir -con una alta dosis de humor- que siento que me hace la “competencia”…. he notado que mis pacientes, a menudo, mejoran más de sus dolencias cuando acuden a sus clases que cuando toman las pastillas que les receto, algo de terapéutico tendrá la pintura.

Os dejo un par de obras del artista (por las que siento especial predilección) y el link de su web.

 

Para acceder a su web: http://www.seguer.cat  

Roble: resistiendo a la erosión

En el antiguo camino de Pobla a Salàs hay un grupo de robles centenarios que la erosión del terreno hace que queden con las raíces al aire. Las formas de esas raíces, la luz del sol a primera hora de la mañana y la sombra sobre las rocas adyacentes fueron la inspiración para este cuadro (o.s.t. de 126×92 cm). Disfrute mientras lo pintaba, pero mi gran satisfacción vino cuando se lo pidió como regalo de cumpleaños a su marido una amiga que en su casa tiene obras de reconocidos artistas, pero este le deseaba porque era el de su elección personal. Recordaré la ilusión con la que buscaba un lugar para colgarlo. 

Exposición con Josep Verdú en el Comú de Particulars de La Pobla de Segur

Mi amigo Josep Verdú, “motor” del centro cultural Comú de Particulars de La Pobla de Segur (Lleida), me animó a realizar una exposición conjunta de nuestros trabajo. Lo hicimos a finales del mes de septiembre, bajo el lema de “Un divertimiento”, puesto que nos sabemos aprendices con sueños de artista y no pretendíamos nada más que presentar nuestras obras y animar a más gente a coger los pinceles, por su cuenta o apuntándose en alguno de los cursos que se realizan en el Comú. A mitad de la exposición, Verdú me comento que era costumbre que los artistas que exponen allí  cedan una obra al fondo de arte del centro. Como la exposición era de dos personas, ¿cedíamos dos obras o realizábamos una “a cuatro manos”?. Nos decantamos por esta segunda opción a sabiendas que era un reto intentar conjuntar dos estilos diferentes. La solución me la dió mi hijo Víctor, cuando le vi contemplando un cuadro de Verdú: yo iba a pintar al niño en la sala y Josep su propio cuadro. Y, aquí tenéis el resultado:

Josep Icart: un pintor catalán redescubierto

Recientemente recibí un correo de mi hermana (María José) en el que aparecía un link a una página de un pintor llamado Josep Icart. Después de visitarla -me pareció muy interesante- consulté en tinet.org y en un blog de vilaweb y os dejo un resumen sobre este artista, su obra y, como no, la página que le han dedicado.

En tinet.org:

JOSEP ICART Tarragona 1928-1985

La vida: una obra en constante evolución.

Se educa como artista en la Escola d’Art de la Diputació de Tarragona. En 1943 obtiene una beca de ésta institución. En 1959 obtiene el premio de la XII Exposición de Arte de San Sebastián-Donostia. En 1956 la medalla de bronce de pintura nacional. Desde 1953 se dedica a la restauración de iglesias y edificios históricos dañados por la Guerra Civil Española. En 1959 pasa la frontera del arte figurativo al abstracto. Viaja en busca de experiáncias pictóricas a París. En 1969, en Roma, sufre un infarto que marcará definitivamente su trayectoria. En 1979 empieza a trabajar como profesor de Técnicas Pictóricas en la Escola Taller d’Art de la Diputació de Tarragona. En 1974 obtiene la Medalla Tapiró. Se inspira principalmente en los paisajes catalanes del Camp de Tarragona: Cornudella, Prades, la sierra del Montsant. Realiza muchísimas exposiciones por toda Catalunya y el Estado Español. Enamorado de la luz mediterránea, de la salobridad del mar y de los misterios de la naturaleza, experimenta constantemente con el color y hace de la vida una obra en constante evolución. 

En el blog de vilaweb:

 

Icart, malauradament desaparegut i desconegut pel gran públic, és un artista de culte reconegut només en cercles iniciats, pel seu particular món d’abstracció paisatgística. Era un treballador compulsiu totalment lliurat a la recerca d’una expressió anímica a través de la llum, el color i el ritme vibrant de màgica fluïdesa marcat pel seu característic traç de pinzell. No és només un artista contemplatiu de la bellesa del paisatge, sinó que esdevé un crit militant del dolor i de les ferides del planeta blau. La seva pintura té una força tel·lúrica , és la veu immemorial de la naturalesa expressada des de la contemporaneïtat…

La tasca del MAMT

La vasta producció de l’obra de Josep Icart va estar oculta,  preservada de la mirada dels curiosos per motius contundents: no signava els quadres fins que no els exposava i, sortosament, va produir molt. A vegades trigava anys per donar per acabada una tela i en tenia moltes d’obertes, mentre estudiava com resoldre el seu diàleg amb la llum de cada quadre. Durant dues dècades l’obra va ser guardada gelosament per evitar una dispersió que la pogués malmetre, doncs calia posar un ordre previ abans de mostrar-la al gran públic. Fins que una autoritat acadèmica reconeguda com el Museu d’Art Modern de Tarragona (a través de l’exposició comissariada per Raquel Medina “Josep Icart, la natura immanent” i l’edició del corresponent llibre- catàleg)  no va fer front a la ingent tasca de catalogar les nombroses peces produïdes pel mestre, la família no es va veure en cor de mostrar l’obra amb totes les garanties. Després d’això s’ha produït un fenomen a petita escala, que va “in crescendo” i sembla que hi ha expectatives de generar projectes als seu entorn. Icart va morir però la seva pintura el manté viu.

Biografia Josep ICART (Tarragona, 1928 – 1985)

Josep Icart s’instrueix, seguint una primerenca vocació artística, a l’Escola d’Art de la Diputació de Tarragona. El 1943 obté una beca de la mateixa Diputació. El 1956 guanya la medalla de Bronze de pintura Nacional i el 1959 obté el premi de la XII Exposición de Arte de San Sebastian – Donostia – País Basc, data en què passa la frontera del figuratiu a l’abstracció. Viatja a la recerca d’experiències pictòriques a París. Al 1969, a Roma, pateix un infart que marcarà definitivament la seva trajectòria. El 1971 començà a treballar com a professor de tècniques Pictòriques a l’Escola Taller d’Art de la Diputació de Tarragona. El 1974 obté la medalla Tapiró. Captivat pel paisatge mediterrani i particularment per la comarca del Priorat, la seva especial orografia l’inspira en la seva constant i apassionada recerca. Realitza exposicions arreu de tot Catalunya i de l’Estat Espanyol i treballa amb un marxant nord-americà.

Enamorat de la llum mediterrània, de la salabror del mar i dels misteris de la natura, Josep Icart no és només un artista contemplatiu de la bellesa del paisatge, sinó que esdevé un crit militant del dolor i de les ferides del planeta blau. Ara, després de vint anys de la seva sobtada mort, aquest missatge és més evident que mai, al mateix temps que ens recupera la memòria de la seva figura. ICART: COMPROMÍS AMB LA NATURA.

D’una manera subliminal, la pintura de Josep Icart traspua una profunda càrrega ideològica i un compromís amb la defensa de l’entorn i la natura. Formalment també expressa de paraula la seva admiració, gairebé mística, per les forces tel·lúriques que venera, respecta i admira. Però és a través de la llum i del color quan estableix un compromís amb la natura amenaçada per l’acció de l’home.

Per entendre això hem de partir de l’època fosca, quan ja no és un pintor de cavallet a l’exterior i esdevé, un pintor d’estudi angoixat per la malaltia i l’efímer gest de la vida. És un temps en que frueix vivint, observant, trepitjant, escoltant i respirant el paisatge. Estimant-lo amb passió, captant l’ànima viva de la Terra. Per això surt als camps ocres, camina per les verdoses muntanyes, passeja vora el mar pregon i s’omple els pulmons d’oxigen transparent. Més que observar, sent. D’aquesta manera, manté un diàleg secret amb la natura que més tard reproduirà amb els seus pinzells.

Icart trepitja els camps de Castella, pesca a la costa de la seva Mediterrània natal, a Tarragona; cerca fòssils, recull bolets dels boscos de Prades, herbes de les muntanyes del Priorat, còdols dels rierols del Montsant. Ensuma l’aire de la pluja i la terra mullada, llegeix els núvols del cel rogenc, cerca l’aigua endevinant el curs soterrat dels rius, interpreta els vents i el cant dels ocells. Josep Icart s’aferra a la vida, la vida és el paisatge i el paisatge ho és tot. El seu ecologisme i el seu discurs són purament artístics perquè la única arma que sap emprar son els pinzells.

Però el seu compromís ecològic té una doble vessant: d’una banda, la recerca pictòrica en una lluita contra rellotge (coneix la gravetat de la seva afecció cardíaca) i de l’altra el paral·lelisme que estableix entre el seu cor amenaçat per la malaltia i el nostre planeta amenaçat per la contaminació. L’època fosca és plena de pessimisme, desprès del primer infart sofert a Roma, el paisatge es converteix en una abstracció que ens evoca formes orgàniques tan de les interioritats de les vísceres humanes, com de les interioritats cavernoses de la Terra. Aquests paral·lelismes Cos / Món, Malaltia / Contaminació es mantindrà en l’època cromàtica quan esclataran els colors vius en un constant treball de recerca pictòrica que el farà créixer i ser reconegut. Ara ja no pinta l’interior orgànic sinó que, en l’abstracció, s’allunya del cos propi i pinta horitzons o sobrevola bellíssims paisatges on s’hi endevina una espiritualitat manifesta.

Paradoxalment en la darrera època, el color esdevé més dolç en benefici d’una llum cada vegada més clara, psíquica i incorpòria. És com un preludi de comiat abans de la mort, la ubicació del paisatge en l’ànima.

 

 

 

 

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Enlace a la página de Josep Icart: http://www.josepicart.cat

Jaume Malaret: luz y color de Catalunya

Con motivo de mi estancia en un conocido hotel de Barcelona, atrajeron mi atención los cuadros colgados en la pared del dormitorio y fué así como descubrí a Jaume Malaret. Este pintor catalan, nació en el Ampurdan en 1940 y ha seguido una carrera de prefeccionamento y busqueda de la luz, color y emociones. Su estudio me parece simplemente  increible:

Como muestra he seleccionado alguna de sus obras:

Os recomiendo visitar su página web (clicar): www.malaret.net

Ya me dareis vuestra opinión. Un saludo

Fira d’art de Salàs de Pallars: predilección por lo abstracto

 

Vivo en La Pobla de Segur (Lleida), en la vecina localidad de Salàs de Pallars se organiza anualmente una feria de arte en sustitutción de una de las más prestigiosas ferias de ganado equino que se realizaban en España hasta la llegada de la mecanización al campo. El entorno esta muy bien, a los artistas se les asignan antiguos establos para exponer sus obras y se lleva a cabo un concurso de arte. El jurado suele tener una especial predilección por el arte abstracto lo que motiva que algunos artistas declinen a presentar sus obras porqué las considerarán demasiado figurativas y también que algunos presenten obras abstractas que son auténticos churros. En síntesis que artistas y público salen perdiendo. 

En la convocatoria de este año decidí presentar “mis dos churros”, a modo reivindicativo y también como revulsivo para que los organizadores busquen nuevas fórmulas que permitan que la feria tenga el éxito y la repercusión que todos le deseamos.

Obra realizada en varias sesiones mediante múltiples veladuras

 

 

Maryanna, una amiga rumana, estaba mirando las obras mientras se secaban al sol de la terraza. La veía pensativa, al preguntarle el motivo me comento que le gustaban mucho por su color, contraste y formas. Con una sonrisa me dijo que estaba imaginando la reacción que podrían provocar en su país, porque ella interpretaba que se trataba de una original representación de unos churros, pero que en Rumania no existen churros y que por tanto lo interpretarían como unas formas abstractas. Le comente las diferentes  acepciones del término “churro” y por ello (y cambiando el título que mi esposa me proponía de “Lo que soléis premiar”  por el de “Relativizar problemas”, explicando que cuando en el fondo todo se ve negro y los problemas como algo grande y retorcido, suele ser de utilidad trivializarlos y “que nos importen un churro”).

Fue una experiencia divertida. Me temo que un tanto estéril. 

Las obras  ganadoras fueron:

 

Obviaré cualquier opinión subjetiva sobre los mismos puesto que si ya me reconozco como pintor principiante, sé que aún estoy menos capacitado para realizar críticas. 

Mis mejores deseos para la Fira d’art, aunque les auguré un futuro crítico.

 

Elena Madden: reflejos en el agua

Después de haber pasado unas cuantas horas buscando entradas sobre el tema de reflejos en el agua -materia  que estamos trabajando con nuestro querido profesor Miquel Seguer- he tenido la suerte de encontrar la página de Elena Madden que me ha sorprendido con su obra centrada en este tema.

Para ir a su página, os dejo su link (clicar encima):   #mce_temp_url#

 

Zhaoming Wu: La figura como paisaje

Zhaoming Wu nació y se inició en la pintura en China, se trasladó a EUA. Ahora está trabajando y dando clases en la Academy of Fine Art University en San Francisco. Ha recibido innumerables premios por sus trabajos.  En una entrevista declara que “Cuando estoy mirando al modelo, súbitamente la silueta del cuerpo me recuerda montañas o colinas y la luz parece un amanecer o atardecer. Y cuando la luz incide sobre la figura, la ropa y telas me recuerdan el movimiento del agua. En ese momento me doy cuenta que estoy teniendo una respuesta muy personal del modelo.”. Presenta una deliciosa combinación de abstracto sobre figurativo. La figura femenina -tema que parece demasiado recurrente en muchas exposiciones- la trata de manera original, haciendo que no veamos “un torso más” sino que sabe cautivar la atención del espectador tanto por el enfoque como por los colores empleados. El paisaje lo trata de forma sencilla pero contundente. Creo que no os defraudará visitar su web:    http://www.zhaomingwu.com

Adjunto una pequeña muestra de su obra que ejemplifica los comentarios previos y espero que os incite a conocer más a este artista. Espero vuestros comentarios. Hasta pronto.

 

 

Vanessa Tiegs: arte con su sangre menstrual

La artista Vanessa Tiegs, en lo que ella denomina como “crear una imagen positiva de la menstruación” ha realizado un conjunto de  88 obras en las que el medio empleado ha sido su propia sangre menstrual. Lo argumenta diciendo que “vivimos en un universo de ciclos incontables. Nuestras vidas consisten en ciclos dentro de otros. Y las mujeres experimentan un ciclo de renovación que parece corresponder a las revoluciones de la luna alrededor de la tierra.”.  Tal actuación, como mínimo, no deja indiferente al espectador, es él quien decide si lo considera arte o no, es él quien se decide por la admiración o la repulsa. En cualquier caso, os dejo una muestra de su obra (titulada “pájaro de sangre”) y un enlace a la página en la que desarrolla su trabajo.

http://spiralingmoon.livejournal.com