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Dissabte es va inaugurar la exposició «També per a daltònics» amb una xerrada-col·loqui en que amb el Miquel Seguer varem comentar les obres presentades i també varem explicar la percepció del color i el daltonisme. Us agraïm la bona acollida que li heu donat. Hi estarem a les tardes de 6 a 8, però no descartem obrir algun migdia si algú està interessat en anar-hi en aquest horari.
Tanto Miquel Seguer como yo, os agradecemos la buena acogida que dispensasteis al acto inaugural de la exposición. Nos llenó de satisfacción encontrar semejante respuesta después de nuestro esfuerzo y de la ilusión que habíamos depositado en este evento. Reconocemos que muchos de los asistentes tuvieron que hacer largos desplazamientos para poder asistir, hecho que hace que valoremos aún más su compañía. En síntesis que en todo momento encontramos un cálido soporte por parte de todos. Gracias!
Vídeo de las intervenciones de Seguer y Surribas en la presentación:
Aspecto general durante la inauguración
Aspecto general durante la inauguración
Miquel Seguer, Santiago Arnau y Pau Surribas
Hemos de felicitar también a Santiago Arnau y su equipo por la profesionalidad que demostraron y por el trato cordial que recibimos de su parte.
Una de las palabras más bonitas que puedo encontrar es «VIDA». Simple pero cargada de contenido y evocaciones. No me extenderé en elogiarla pero echaré mano al Diccionario de la R.A.E.:
vida.(Del lat. vita).
1. f. Fuerza o actividad interna sustancial, mediante la que obra el ser que la posee.
2. f. Estado de actividad de los seres orgánicos.
3. f. Unión del alma y del cuerpo.
4. f. Espacio de tiempo que transcurre desde el nacimiento de un animal o un vegetal hasta su muerte.
5. f. Duración de las cosas.
6. f. Modo de vivir en lo tocante a la fortuna o desgracia de una persona, o a las comodidades o incomodidades con que vive.
7. f. Modo de vivir en orden a la profesión, empleo, oficio u ocupación.
8. f. Alimento necesario para vivir o mantener la existencia.
9. f. Conducta o método de vivir con relación a las acciones de los seres racionales.
10. f. Ser humano.
11. f. Relación o historia de las acciones notables ejecutadas por una persona durante su vida.
12. f. Estado del alma después de la muerte.
13. f. prostitución (‖ actividad de quien mantiene relaciones sexuales a cambio de dinero). Echarse a la vida Ser de la vida
14. f. Cosa que origina suma complacencia.
15. f. Cosa que contribuye o sirve al ser o conservación de otra.
16. f. Estado de la gracia y proporción para el mérito de las buenas obras.
17. f. Vista y posesión de Dios en el cielo. Mejor vida Vida eterna
18. f. Expresión, viveza, especialmente hablando de los ojos.
19. f. Animación, vitalidad de una cosa o de una persona. Esta ciudad tiene poca vida nocturna Es un cuadro con mucha vida
A raíz de lo expuesto y pensando en la próxima exposición «También para daltónicos», decidí realizar un par de obras alegóricas a la vida, en ambas elegí el mismo formato y la misma imprimación: una emulsión de hierro que dejé que se oxidara buscando un efecto similar al acero corten (introduciendo la primera clave: el oxígeno como elemento primordial de la vida).
«VidADN», técnica mixta sobre tela, 72×92 cm
Sobre la base mineral del hierro oxidado, Krom pinta la doble hélice del ADN (la molécula generadora de la vida). El color verde simboliza el mundo vegetal; el azul, el agua y el rojo, el mundo animal. En cuanto a la composición, ex profeso la figura de Krom queda demasiado a la derecha, descompensando el cuadro, para significar el desequilibrio causado por el hombre.
«VIDA», técnica mixta sobre tela, 72×92 cm
En esta obra, la referencia a la vida se hace de una manera más directa: una explosión de color entre las turbulencias en las que estamos inmersos. En el fondo, la frase «La vida todo lo cura» convertida a «La vida todo lokura!«, un hecho que va siendo cada vez más cierto. Krom, concentrado en su trabajo mientras su cuerpo parece que vaya siguiendo el ritmo de las turbulencias.
Espiral de Fibonacci
La imagen es creación de Andres «Pentaro» Gómez y esta tomada del blog: ¡#$%&! Cómics
Herencia genética del daltonismo
La deuteranopsia y deuteranomalía son las formas más frecuentes de daltonismo y van ligadas a los cromosomas sexuales (XY). Las posibles combinaciones que se pueden dar:
1. Madre normal y padre normal: ninguno de sus hijos será daltónico ni portador.
2. Madre normal y padre daltónico: 66% de hijas portadoras. Hijos, normales.
3. Madre portadora y padre normal: el 50% de sus hijas seran portadoras y el 50% de sus hijos seran daltónicos.
4. Madre portadora y padre daltónico: 50% de hijas portadoras, 50% hijas daltónicas, 50% hijos daltónicos.
5. Madre daltónica y padre normal: todas las hijas portadoras y todos los hijos daltónicos.
6. Madre daltónica y padre daltónico: todos los hijos daltónicos.
Estadísticamente, lo más habitual es la madre portadora con un padre normal.
En cuanto a la pregunta ¿Cómo recibió el daltonismo la primera mujer transmisora de tu familia?, cabe considerar dos opciones:
1. Una mutación genética que afectó al gen M, responsable de la visión de los verdes.
2. Considerando que lo más habitual en el reino animal es la visión dicromática (sólo dos receptores para el color, cómo los daltónicos), la cuestión sería ¿Por qué se desarrolló un tercer tipo de receptor para los colores?. Sería porque a nuestros antecesores con tres receptores les iba mejor en términos de supervivéncia.
Referente a la visión de los colores en los animales, dejo un extracto de
La visión cromática en los animales (Chromatic vision in
animals). B. Hugues. REDVET. Revista electrónica de Veterinaria 1695-7504
2008 Volumen IX Número 11
En dependencia del número de pigmentos visuales que posea la especie, su
visión se clasifica como:
• Monocromática: 1 tipo de cono. Ej: Mapaches y salamandras.
• Dicromática: 2 tipos de conos. Incluye la inmensa mayoría de los
animales.
• Tricromática: 3 tipos de conos. Es el caso del hombre y los
primates.
• Tetracromática: 4 o más conos. Entre los que están las aves, reptiles
y peces. Ven el ultravioleta. (Citado por Del Risco et al, 2008).
Ya se sabe que los perros no ven el rojo y el verde, un objeto que para un
humano tiene esas tonalidades, el perro lo verá amarillo o dentro de la
gama de los grises respectivamente (Maniero, 2006). Los gatos tienen un
sistema de percepción dicromático (Herrera, 2002). Lo que parece rojo
para nosotros es absolutamente oscuro tanto para los perros como para
los gatos, y una parte del espectro verde es indistinguible del blanco.
Colores que parecen intensos para los humanos son más tonos pastel para
el gato que ve el verde del césped como un césped blanquecino y un
arbusto de rosas como un arbusto blanquecino con las rosas oscuras
(Brooks, 2000).
Las aves, que emplean los colores para el reconocimiento sexual y la
reproducción, ven en colores. Las que son de presa y las rapaces, en
especial las águilas y los halcones, son las que tienen mejor sentido de la
visión. La visión de las aves diurnas es de cuatro colores pudiendo ver
algunos que no son visibles para otras especies, transitando la capacidad
de ver colores desde el rojo, naranja, amarillo, verde, azul y sus tonos
hasta incluir por ultimo los colores reflejados por la luz ultravioleta radiada
por el sol; mientras que las nocturnas como los búhos y las lechuzas solo
ven en blanco y negro, no obstante tienen con una gran agudeza visual en
horas crepusculares de poca iluminación, por tener un elevado número de
bastones -células especializadas en este tipo de visión en la retina-.
En realidad hasta hace poco existía un gran desconocimiento del
comportamiento de la visión en las aves y cómo reaccionaban frente a
determinados colores o tipos de iluminación. Hoy sabemos no solo el
alcance visual de estas especies sino además de cómo algunos colores
pueden serles atractivos o desagradables , por ejemplo los machos poseen
colores llamativos apropiados a su plumaje nupcial, sin embargo pueden
parecer lámparas fluorescentes a la visión de un ave enjaulada, como
destellos continuos, algo así como un “dancing” perpetuo e incómodo
(Willis, 1999).
Los equinos ven las tonalidades azules y rojas (Herrera, 2007).
Los hámsteres distinguen solamente el blanco y el negro (Gaitano, 2001),
mientras que las jicoteas tienen una vista bien desarrollada, pueden
distinguir formas y colores, como el anaranjado del azul, el azul del verde y
del gris (Ferri, 1993). Los primates suelen ver entre las gamas del violeta-
azul, verde-amarillo y amarillo-rojo (Pérez 2008).
Bovinos, ovinos y caprinos tienen visión dicromática, con conos de máxima
sensibilidad a la luz amarillo-verdosa y azul-purpúrea. La mayoría de estas
especies ven una gama completa de dos colores, por lo general toda la
gama que va del verde al azul. La creencia difundida de que el toro se
enfurece con el rojo del capote es incierta; lo que le llama la atención es el
movimiento del mismo.
En las abejas se ha podido comprobar que su alto sentido de percepción de
los colores, siendo capaces de diferenciar el amarillo, el verde-azul y el
azul. No pueden ver el rojo y fácilmente lo confunden con el negro; en
cambio pueden ver el ultravioleta, referido anteriormente. También pueden
llegar a diferenciar el anaranjado y el verde.
En los peces la visión cromática depende de la profundidad o la turbulencia
de las aguas. En ellos puede haber especies monocromáticas, dicromáticas
-peces de aguas turbias- , tricromática -peces de arrecifes coralinos- y
tetracromática -peces de agua cristalina dulce- que captan el ultravioleta.
Sin embargo, los animales que viven en las profundidades oceánicas,
carecen de visión en colores, habiendo en ellos solamente bastones a nivel
de la retina.
Las ranas y sapos pueden ver en colores y tienen una buena visión.
Algunas especies de lagartos no pueden distinguir los colores, aunque ven
bien durante el día.
Las mariposas: poseen cuatro tipos diferentes de conos. Pueden ver una
amplia gama de colores.
El camarón mantis tiene por lo menos 12 clases de células sensibles al
color y probablemente sea el animal que más colores perciba.
Mapaches y salamandras sólo disponen de bastones, por lo que no pueden
percibir color alguno, sino solamente cambios de intensidad de luz en
escala de grises.
Los pulpos no ven los colores, sólo poseen un tipo de cono y se necesitan
dos como mínimo para distinguir los colores.
Los animales cuyo cuerpo muestra colores opacos, obscuros y poco
llamativos, como en la mayor parte de los mamíferos, excepto en el
hombre, generalmente tienen una visión muy limitada de los colores o los
ven pero no los perciben de la misma manera que los humanos. Sin
embargo, los que ostentan colores fuertes y brillantes, en algunas o todas
las estructuras de su cuerpo, como muchas aves, reptiles, peces, insectos y
algunas arañas, son capaces de distinguirlos.
La visión cromática reporta determinados beneficios a los habitantes del
reino animal, referidas a la alimentación (atracción de los insectos por el
color de las plantas), la actividad sexual (los colores llamativos de algunas
aves machos, notables sobretodo en la época sexual para atraer a las
hembras) y la defensa o protección del organismo (mimetismo) (citado por Del Risco, et al 2008).
Arrels (Raíces) Acrílico s/DM 41x80 cm
Barranc del solà (Barranco de la solana) Óleo s/DM, 50x80 cm
Camí de Torallola (Camino de Torallola), Acrílico s/DM, 50x80 cm
Contrallum (Contraluz) Óleo s/DM 50x80 cm
L'hort (El huerto), acrílico s/DM, 50x100 cm
Obaga
Pomera (Manzano), acrílico s/DM, 50x100 cm
Revolt del camí (Recodo del camino), Óleo s/tela, 73x146 cm
La forma más habitual de daltonismo afecta a los conos M, los más sensibles a la luz verde. Existen diversos grados, asi puede ir desde la falta total de dichos receptores, la deuteranopía, con ceguera total para esos colores, hasta un funcionamiento anómalo, con menor severidad.
Visión normal
Rueda cromática vista por un daltónico
A continuación aparece un cuadro de Miquel Seguer y como lo vemos los daltónicos (para nosotros no hay diferencia entre ambos):
Campo con amapolas
No os puedo explicar la diferencia, yo los veo iguales, pero los "normales" las veréis
Ahora, aplicando la misma simulación, un cuadro mío tal y como yo lo veo y pinto y como lo ve una persona normal (he de reconocer que cuando pinto suelo pedir ayuda a mi hijo Víctor, para que me indique si he cometido algún error intolerable y corregirlo: he pintado caballos de color verde creyendo que había reproducido fielmente su color castaño; cielos demasiado rosados; etc.)
"Barranc del solà"
Así lo veo yo
Finalmente, comparemos un cuadro de Monet:
Monet
Monet, visto por un daltónico
Espero que os haya servido de ayuda para entender un poco mejor la visión de los daltónicos. Por cierto, si alguien no ve claramente las diferencias quizás sea un daltónico.
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Meta-pintura: usando la pintura para referirme a la pintura
En una série de obras he querido hacer referéncia al arte del graffiti. Para ello he usado un maniquí de madera como elemento característico del estudio de un pintor y que simboliza en este caso al grafitero. Como pintor de graffitis tiene su propio tag o alias: Krom, término que hace referéncia a la disCROMatópsia (daltonismo o ceguera para los colores) que tengo.
En estas obras, más alla del sentido estético o plástico de la obra, pretendo que el espectador se divierta buscando el mensaje de la obra mediante unas claves y símbolos.
Conflictos
Según el Diccionario de la Lengua Española:
Conflicto.
(Del lat. conflictus).
1. m. Combate, lucha, pelea. U. t. en sent. fig.
2. m. Enfrentamiento armado.
3. m. Apuro, situación desgraciada y de difícil salida.
4. m. Problema, cuestión, materia de discusión.
5. m. Psicol. Coexistencia de tendencias contradictorias en el individuo, capaces de generar angustia y trastornos neurótico
Para representa los conflictos, la obra emplea las siguientes claves:
1. La lucha entre la luz y la sombra
2. Dos palomas picasianas de la paz peleándose por el ramo de olivo.
3. La palabra paz en hebreo y en árabe (paradigma de conflicto).
4. Dos figuras de ajedrez para reflexionar sobre nuestro papel en este juego de ajedrez que es la vida: somos piezas o somos jugadores. Krom puede “pensar” que él es el artista pero no es más que una pieza jugada por otro.
5. Un túnel como salida pero con la amenazante pantera en la entrada.
6. La palabra Lottare (luchar), casi ilegible, en la parte baja de la pared del tunel. Haciendo referencia a la frase en italiano “Lottare sempre, arrendersi mai” (luchar siempre, nunca rendirse).
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Adios a Màrius Carretero
El pasado 26 de julio moría de manera súbita y dando una clase delante de su caballete el artista leridano Màrius Carretero.
Nacido en 1946, este gran personaje se dedicó a la pintura, con excelencia en el dominio de la acuarela y también a la escultura y poesía.
Sus sujetos más habituales eran los recodos de los ríos con los reflejos de los árboles y la barca blanca que aparece en tantas de sus obras y que generalmente esta sola.
Os dejo una imagen del artista y algunas de sus obras:
Muy recomendable visitar su página:
En la presente edición de la Fira d’art hemos disfrutado de la presencia de Francisca Blazquez que nos ha sorprendido con sus obras y, especialmente a mi, por un video-montaje con el que logra que te introduzcas en su obra y comprendas el simbolismo de alguna de sus figuras.
Tambien he de reconocer que a nivel personal me encontré francamente bien atendido por Francisca Blázquez, desde aqui mi más sincero agradecimiento.
Para acceder a la web de esta artista: www.franciscablazquez.net
La Fira contó asimismo con la presencia de dos importantes críticos de arte: Arte Josep M. Cadena y Joan Lluis Montané.
Hasta la próxima edición!
En la edición de este año del concurso de arte de Salàs de Pallars, he obtenido el primer premio con la obra titulada “L’esforç” (el esfuerzo). Un óleo de 100×80 cm que nació fruto del interés hacia la forma compleja de una bola de metal que encontre en la tienda de decoración “Casa Mestre” de La Pobla de Segur combinada con la simplicidad formal de un maniquí de madera.
L'esforç
Un pulso entre profesor y alumno
Al recibir la noticia del premio, no tardé en comunicarselo a mi maestro y amigo Miquel Seguer . Les agradezco a él y a su esposa que acudieran a compartir esos momentos felices.
El segundo premio fué para Andres Saiz con una elaborada obra en gran formato
Finalmente el accésit fué para Joel Martinez Miró por una obra caracterizada por la simplicidad de unos trazos sobre un fondo negro.
Wyeth fotografiado por Peter Ralston
Andrew Wyeth nacido el 12 de junio de 1917 falleció el pasado 16 de enero a la edad de 91 años. Reconocido como pintor realista, a menudo definido como de realismo mágico, con un estilo regionalista. Wyeth afirmó “Magia! Es lo que hace sublimes a la cosas. Marca la diferencia entre el arte profundo de un cuadro y la pintura de un objeto”. En su obra hay que encontrar metáforas que se relacionan con temas de recuerdos, nostalgia y pérdidas. Su vida y su obra se realizaron entre Pennsylvania y el estado de Maine.
Fue el menor de cinco hijos del artista y ilustrador Newell Convers Wyeth. De su familia han surgido otros importantes artistas. Su formación se la debió a su padre que desde los 15 años le sometió a una intensa disciplina para aprender las técnicas del dibujo (pasó horas dibujando y redibujando bodegones y esqueletos humanos entre otros temas). Refiere que mientras estaba pintando meticulosamente una acuarela, se le acerco su padre, cogió el pincel, lo lleno de pintura y realizó unas pinceladas sueltas y le dijo “Andy, tienes que liberarte”, fue uno de aquellos consejos que quedaron grabados en su mente.
Winter farm scene (57.8 x 78.7 cm)
Con sólo 20 años realizó su primera exposición de acuarelas en la Macbeth Gallery de New York, vendiendo la totalidad de las obras expuestas. Empezaba a ser una celebridad mundial. Encontrando la acuarela demasiado fácil decidió introducirse en el arte del temple al huevo (clara de huevo mezclada con pigmento puro) ayudado por su cuñado Peter Hurd. Era admirador de la obra pintores renacentistas y pintores americanos, especialmente de Winslow Homer.
Brandywine Valley (55.6 x 76.3 cm)
Se casó en 1940 con Betsy James y tuvo 2 hijos Nicholas y Jamie. En 1945 murieron su padre junto con un sobrino de 3 años en un trágico accidente con el coche en el que viajaban al ser arrollados por un tren. Wyeth reconoció que ese hecho, además de ser una tragedia personal, iba a marcarle emocionalmente su carrera.
“Christina’s World” (81.9 x 121.3 cm)
En 1948, estando en la granja de los Olsom, en Maine, pintó una de sus obras más popularizadas y de mayor influencia, “Christina’s World”, ahora propiedad del MOMA de Nueva York. Christina padecía una enfermedad degenerativa que fue progresivamente debilitando su musculatura hasta que la impidió caminar. Christina se negó a utilizar la silla de ruedas, quizás para evitar verse como su padre que ya en 1922 tuvo que depender de una. En el momento en que Wyeth empezó esta obra, Christina tenia 55 años y tenia que arrastrarse, como en la imagen en que se está dirigiendo hacia su hogar. A pesar de su enfermedad fue una buena modista (el vestido que lleva en el cuadro lo había realizado ella misma). A partir de una serie de bocetos y empleando a su esposa como modelo para el torso, Wyeth empezó el cuadro, primero pintando la hierba, brizna a brizna; posteriormente añadió los edificios y finalmente la figura femenina. Para el cabello empleo como modelo a una tía suya. El zapato lo encontró en una casa abandonada. Los detalles de sus brazos y muñecas transmiten un estremecimiento al espectador. Esta obra ha tenido mucha influencia en la cultura: en pintura, en novelas e incluso en el cine (aparece en 2001: una odisea en el espacio; en Días de cielo; en Verano de seducción, etc.) . Incluso hacen referencia a ella en Los Simpsons y Snoopy. En ese año empezó a pintar a sus vecinos Anna y Karl Kuerner. Ese entorno se mantuvo como uno de sus principales sujetos durante casi 30 años.
Mrs. Kuerner
A la edad de 33 años, las manchas de sangre que aparecían en su almohada condujeron a que le descubrieran las bronquiectasias que afectaban a sus pulmones. Fue sometido a una drástica intervención en la que le abrieron el tórax de arriba abajo, para extirparle una parte de su pulmón y con repercusiones sobre su musculatura que le hicieron pensar que jamás volvería a pintar. Durante su convalecencia pintó The Trodden Weed aunque para ello tenia que suspender su brazo con poleas fijadas al techo. Las botas de caballero francés que aparecen en el cuadro pertenecieron a Howard Pyle (maestro de su padre) y fueron un regalo de navidad de su esposa. Wyeth se las ponía en sus largos paseos para recuperarse. Explicó que “esa pintura viene a significar la relación entre mi grave enfermedad y el rechazo a aceptarla, una especie de huida”.
The Trodden Weed
A medida que se recuperó continuo con su trabajo y enseñado a pintar a su hijo Jamie. Este aprendió rápido y empezó a cotizarse. De manera que mientras miraba el flamante Corvette de su hijo, comentó “Algún día seré conocido como el padre de James Wyeth”.
Desarrolló una complicidad emocional con la tierra y el mar que recorría en interminables paseos y que después de docenas de estudios a lápiz o acuarela convertía finalmente en obras a la acuarela, con la técnica del pincel seco o con la tempera al huevo.
Pennsylvania landscape (89,5 x 119,7 cm)
Christina Olsen
En 1969 murió Christina Olsen y centró su atención hacia Siri Erickson de la que realizó impresionantes desnudos como el de Indian Summer (1970).
Indian Summer
En 1986 reveló la existéncia de una serie de casi 250 obras (bocetos, estudios, dibujos, 32 acuarelas, 12 obras a pincel seco y 5 temperas) basadas en su vecina Helga Testorf y que llevo a cabo desde 1971 a 1985. Con la particularidad de que ni la esposa del pintor ni el marido de Helga conocieron la existencia de dichas obras hasta la citada revelación. Wyeth reconoció el amor hacia Helga como un amor hacia un objeto o un paisaje y con ese sentimiento la plasmó en sus obras. Actualmente dicha colección es propiedad de un industrial japonés.
Helga: lovers
La crítica fue, generalmente, negativa por considerarle como un ilustrador sentimental en un momento en que el arte abstracto y el expresionismo estaban en auge, pero el público le profesó un impresionante reconocimiento y admiración por entender que su obra tenia un alto contenido emocional, simbólico y una subyacente abstracción. Incluso a algunos observadores les parecer oír los sonidos procedentes de obras como Distant Thunder (1961) o Spring Fed (1967).
Distant Thunder
Spring Fed
Day dream
Wyeth comentó en una entrevista en el 2008 que “La gente sólo te provoca un viraje en tu trabajo. No quiero enseñarle a nadie en lo que estoy trabajando. Si no les gusta, es malo y si les gusta, también lo es. El artista debe trabajar en la intimidad para ser bueno”.
The carry
Fue galardonado con innumerables reconocimientos a su obra:
– 2007, National Medal of Arts
– 1963, Presidential Medal of Freedom
– 1977, elegido por la Académie des Beaus-Arts (el segundo pintor americano después de John Singer Sargent)
– 1980, elegido por la Royal Academy británica
– 1988, Congressional Gold Medal (el mayor honor civil para un americano)
Para más información sobre el autor y su obra:
http://www.brandywinemuseumshop.org
http://www.museumsyndicate.com
Podeis realizar búsquedas en Youtube con varios buenos vídeos
Libros:
Pintos
Esta entrada enlaza con una anterior, la de «Quants cavalls hi veieu?», una pintura en la que aparecen camuflados 5 caballos entre las rocas y la nieve. En principio sólo parece un divertido juego, un entretenimiento de algún artista ingenioso. La búsqueda del autor, en este caso autora, me ha llevado a conocer a la reconocida (y bién cotizada) Bev Doolittle, sus obras -acuarelas en su mayoría- y su implicación con diversas organizaciones conservacionistas con las que colabora aportando anonimamente una parte de los ingresos de las ventas de sus obras.
Bev Doolittle, nació en 1947 en California en el seno de una familia numerosa. Ya de niña destacó por su creatividad artística. En 1968 se graduó en el Art Center College of Design de Los Angeles, donde conoció a Jay con el que se casó y iniciaron un periodo de cinco años dedicados a la publicidad y TV. Aunque reconoce que era un trabajo bien remunerado, decidieron dejar la ciudad y adquirieron una caravana con la que recorrieron Estados Unidos y Canada. Se confiesa una amante de la naturaleza. Dice «intento mirar más allá de lo obvio y crear obras únicas, representaciones significativas de nuestro salvaje oeste y de sus habitantes. Empiezo con un concepto y procuro convertirlo en un diseño sólido lleno de detalles realistas. Quiero que la gente piense cuando estén contemplando mis pinturas»
Sus obras son auténticos «best seller». Sus imágenes dentro de otra imagen retan al observador a buscar algo más de lo que inicialmente han visto sus ojos. Combina los caprichoso con lo místico y lo espiritual con sus particulares conceptos de «camuflaje».
Two Indian Horses
Los dos indios
Two Indian Horses, una de las más populares obras de camuflaje. En una estudiada composición en la que los caballos dirigen la mirada hacia el soldado de la derecha mientras que dos indios piesnegros se agazapan dando lugar a que sospechemos que alguna cosa inesperada esta a punto de suceder.
Una obra de 108×40 cm en edición limitada que puede adquirirse por unos 3750.00$.
The forest has eyes
En este se trata de compartir las emociones del jinete que debe «leer» en las hojas, ramas y piedras que va encontrando porqué de ello puede dependerle la vida. También hemos de verlo como la historia de un hombre que atraviesa territorio indio con los temores que esto debe producirle. Pero otro mensaje es el de su soledad durante días que provocan que en su imaginación vea rostros ocultos. Finalmente, quién no ha tenido la sensación de ser observado cuando se encuentra en medio de un bosque?
Prayer for The Wild Things
La pregaria del Jefe Pluma de águila, dándole las gracias al Gran Espiritu por las criaturas salvajes con las que comparte el mundo. Después de meses de trabajo, Bev consiguió representar 34 animales de 26 especies distintas. Sirvió de base para un trabajo conjunto con Paul Winter que compuso la música que complementa la obra.
Earth is my Mother
La Tierra es mi Madre, pertenece a un libro en el que se cuenta la historia de Sarah, una niña de 11 años luchando por preservar la fragilidad de un cañón del desierto ante su prevista urbanización.
Hide and Seek
El Escondite es una colección de 24 obras en las que esconde a un pony pinto en un paisaje nevado. Reunidas convenientemente forman el mensaje.
Sacred Circle
Walk Softly
Album Sacred Circle
El Círculo Sagrado expresa la belleza y la «medicina» de la naturaleza, con el círculo como símbolo de la vida. La «medicina» de los indios conecta a la persona con el Gran Misterio y todo lo viviente. El Círculo comprende una serie de metáforas en que la vida, los animales y sus actitudes, aportan lecciones de cómo vivir. El ser humano debe ser el guardián de este círculo protegiendo y preservando el entorno natural. La huella del lobo suele ser lo único que los humanos vemos de él. Aquí, el espíritu del animal aparece para invitarnos a disfrutar de la vida salvaje sin destruirla.
When the Wind Had Wings
Eagles Flight
Hay una série de libros de/o sobre la artista: Art of Bev Doolittle, The Earth is my Mother, The Forest has Eys y Reading the Wild.
El enlace con su página web: www.bevdoolittle.net
Podeis ver unos videos de youtube en los que se ve a la artista trabajando o sus obras (pulsad el triangulo «atrás» para regresar a esta página).
http://es.youtube.com/watch?v=IU36-kCNelQ
http://es.youtube.com/watch?v=2DXenr_QnM4
Woodland Encounter
Un estudio de camuflaje, en el que el rojo color de la zorra atrae la atención del observador, mientras que escondidos estan los peligros reales…
Entre los días 20 de diciembre y 6 de enero (de 18 a 21h), el artista Gustau Chalamanch realizará una exposición en el Molí de l’oli.
Nacido en La Pobla en 1961, fue discípulo de artistas como Miquel Villà y Enric Porta, de los que supo coger el relevo y progresar hasta su actual y característico estilo. Es capaz de convertir el detalle aparentemente más irrelevante de su entorno en una sólida obra de arte.
Es una exposición que no nos podemos saltar.
Os adjunto un par obras suyas para los que aun no lo conocéis.
Al contemplar una obra, me gusta imaginarme «en la piel» del artista, hacer suposiciones de cómo ha ido componiendo el cuadro, qué ha intentado expresar, la técnica que ha empleado hasta llegar al cuadro final. Por este motivo permitidme que os exponga la historia de «Bucle», un óleo sobre tela de 170×80 cm.
La obra estaba destinada a un concurso de arte de Salàs de Pallars. Ya de entrada, imaginaba una forma amarilla resaltando sobre un fondo uniforme. La forma, primero una mancha, fue tomando diversos aspectos hasta que empezó a pedir volumen. Iba alternando desde una masa abstracta e inconexa hasta figuras más reconocibles. Una esfera que devino una figura de sección tórica (como un inmenso donuts) que progresivamente se elongó y retorció y se abrió hasta llegar a la idea de un bucle. El bucle debería proyectar una sombra sobre el fondo con lo que se uniría a este. Uno de los extremos no iba a aparecer, el otro terminaría de manera imprecisa, para que cada espectador interpretará que desde un origen desconocido se llegaba a un final o viceversa. Por otra parte tenía que representar con exactitud los diferentes entrecruzamientos pero sin llegar a quedar demasiado «relamido».
Una vez expuesta la obra, fue divertido escuchar las discusiones entre los espectadores en las que cada uno defendía su propia tesis sobre de qué objeto se trataba. He de reconocer que fueron mayoría los que lo quisieron identificar como una manguera de jardín. A los que me buscaban para que les corroborase su acierto les respondía con una sonrisa que les dejaba convencidos de que habían descubierto el significado del cuadro.
Para mi, lo importante era que no pasaran delante de la obra sin que ésta les invitará a detenerse y contemplarla. Creo que eso, si que lo conseguí.
Algunos me han preguntado sobre cómo podían dejar su comentario. Veréis que a la derecha del título de la entrada aparece una llamada (en forma de elipse), colocad el cursor encima y «clicad», se os abrirá una ventana para escribirlo.
He de reconocer que después del esfuerzo por mantener un blog, se agradece que te dejen comentarios, sugerencias, opiniones, etc.
Gracias
En primer lugar, felicito al Ayuntamiento de Talarn por haber llegado a la 15ª edición de este concurso. Les hago dos sugerencias: 1) Deberían pensar en una solución para evitar la larga cola en la calle y con frío para realizar la inscripción 2) En la entrega de premios, montar una tarima que permita ver a los artistas, organizadores y patrocinadores (el acto se realizó en una sala abarrotada de gente y difícilmente el público podía ver lo que ocurría). En cualquier caso, como residente en el Pallars, es una alegría disfrutar de eventos de esta categoría.
Con mi hijo Víctor de 8 años, «nos tiramos a la piscina»: nos presentamos al concurso de pintura. Ya sólo al llegar, cuando vimos la cola de primeras figuras de la pintura que estaban esperando para inscribirse, tuvimos ganas de desaparecer. Pero nos inscribimos y fuimos a buscar un rincón para pintar. A mi hijo le pareció bien la «FONT DE CAPS» y empezó a hacer borradores en un bloc. Yo inicié el bosquejo de mi cuadro. Pero en mi cabeza se repetían la imagen y las palabras de mi queridísima esposa cuando, la noche anterior, le expuse mi proyecto: frunció la nariz y me preguntó «¿Y, por qué no pintas árboles que se te dan muy bien?«. Ya sé que lo anterior no sirve de excusa, que fue un comentario bienintencionado, y que la realidad era que yo pretendía afrontar un reto con gran dificultad y mínima experiencia por mi parte. Mi mano empezó a no querer responderme -quizás también por el frío que hacía por aquella densa niebla que nos envolvía-. Sentí como cuando tienes prisa porque vienen invitados a cenar ¡Y SE TE CORTA LA MALDITA MAYONESA!. Cuando ya tuve una buena dosis de desánimo, inicié una segunda obra encima de la primera… buscaba un motivo sin que tuviera que moverme y dejar a mi hijo sin responderle a sus constantes preguntas de «Papa ¿qué te parece lo que hago?» (reconozco que yo solo murmuraba algo así como «… muuuy bien, ¡sigue, sigue!». Segundo intento y «se volvió a cortar la mayonesa». ¿Iba a rendirme? : jamás. Así que me di la vuelta en busca de algún motivo que me sirviera de inspiración, lo único que encontré fue esto:
Alrededor de mediodía, había consumido la mayor parte del tiempo concedido (de las 10 a las 14h). Sobre una tela ensuciada por los bocetos de las dos obras previas empecé a aplicar «pegotes» de pintura con un resultado que reconozco como una de mis peores obras:
Pero bueno, me alegré de la experiencia, tuve la ocasión de codearme con grandes artistas, y me sentí muy digno como «cola de león» (sólo hubo un par de cuadros que consideré igual o peor que el mío).
Se concedieron 8 premios, creo que bastante bien dotados económicamente. El jurado, como parece que viene siendo costumbre, hizo «alguna de las suyas» pero no soy yo quien voy a cuestionar su «inapelabilidad». Os dejo alguno de los primeros premios:
1er premio (1200€): Aida Mauri
2º premio (950€)
3er premio (850€)
4º premio (750€)
6º premio(550€)
8º Premio (400€). Manel Crosa
Reconozco que he de terminar de poner los nombres de los ganadores, los premios 5º y 7º y que la calidad de las fotografías deja bastante que desear. Si alguien puede enviarme mejores imágenes le dejo mi correo: pausurribas@gmail.com.
He de incluir una de las obras que más me gusto, creo que es de Manuel García:
Impresionante obra de Manuel García
Finalmente, como no, os presento la «opera prima» de Víctor (el cuadro de arriba a la izquierda):
Primer cuadro de Víctor (arriba a la izquierda)
Tengo dos aficiones: el caballo y el caballete. En la primera tengo la suerte de vivir en una zona privilegiada en la que se puede pasear por la montaña, ríos, un lago y una infinidad de caminos poco transitados. Además, cuento con algunos amigos con lo que las salidas se hacen más amenas. Entre estos, Pepe Franch y su caballo español Bufón que destaca por su nobleza. Es un caballo joven, entero, pero no tenemos problemas ni aún que mi yegua «se le insinúe». He intentado pintar al caballo, la idea era realizar una obra sobre madera y que esta apareciera como fondo para darle un aspecto más natural y más cálido al cuadro. Después de un par de intentos os presento el resultado. He intentado dejar que la pinceladas marquen los volúmenes sin llegar a profundizar en el detalle. En algunas zonas, no he cubierto la madera para que actúe como sombra y armonice el conjunto. Espero que a Pepe (y, sobretodo, a Carola -su novia-) les guste lo suficiente como para no dejarlo en un armario.
"Bufón", óleo sobre tabla, 50x50cm
Sorprendido, me he quedado mudo, inmóvil. Estaba realizando una búsqueda de imágenes en Google, iba pasando las docenas de páginas tan rápido como podía para buscar mi objetivo. Pero una imagen determinada me ha frenado bruscamente. Estoy mirando óleos, muchos de una forma fugaz, a algunos les dedico una breve mirada crítica, algunos ignorándolos, pero he sentido que tenia que pararme y ver quién había realizado esta obra:
"Manzanas", Oleo sobre lienzo, 46 x 38 cm.
Cualquier comentario sobre la maestría del autor seria poco. Pero, estoy seguro, de los incontables bodegones con manzanas que hemos visto este tiene un «algo» especial que seguramente los críticos de arte intentarían definir después de emplear un sinfín de adjetivos y de interpretaciones. En cualquier caso, a partir de ahora me declaro ferviente admirador de Fernando Rivero Ramírez. Os dejo el enlace a su web y ya me diréis vuestra opinión: www.frivero.com
Pau Surribas 