Posts etiquetados ‘hiperrealismo’

 

Wyeth fotografiado por Peter Ralston

Wyeth fotografiado por Peter Ralston

Andrew Wyeth nacido el 12 de junio de 1917 falleció el pasado 16 de enero a la edad de 91 años. Reconocido como pintor realista, a menudo definido como de realismo mágico, con un estilo regionalista. Wyeth afirmó  Magia! Es lo que hace sublimes a la cosas. Marca la diferencia entre el arte profundo de un cuadro y la pintura de un objeto”. En su obra hay que encontrar metáforas que se relacionan con temas de recuerdos, nostalgia y pérdidas. Su vida y su obra se realizaron entre Pennsylvania y el estado de Maine.

Fue el menor de cinco hijos del artista y ilustrador Newell Convers Wyeth. De su familia han surgido otros importantes artistas. Su formación se la debió a su padre que desde los 15 años le sometió a una intensa disciplina para aprender las técnicas del dibujo (pasó horas dibujando y redibujando bodegones y esqueletos humanos entre otros temas). Refiere que mientras estaba pintando meticulosamente una acuarela, se le acerco su padre, cogió el pincel, lo lleno de pintura y realizó unas pinceladas sueltas y le dijo “Andy, tienes que liberarte”, fue uno de aquellos consejos que quedaron grabados en su mente. 

 

Winter farm scene (57.8 x 78.7 cm)

Winter farm scene (57.8 x 78.7 cm)

Con sólo 20 años realizó su primera exposición de acuarelas en la Macbeth Gallery de New York, vendiendo la totalidad de las obras expuestas. Empezaba a ser una celebridad mundial. Encontrando la acuarela demasiado fácil decidió introducirse en el arte del temple al huevo (clara de huevo mezclada con pigmento puro)  ayudado por  su cuñado Peter Hurd. Era admirador de la obra pintores renacentistas y pintores americanos, especialmente de Winslow Homer.

 

Brandywine Valley (55.6 x 76.3 cm)

Brandywine Valley (55.6 x 76.3 cm)

Se casó en 1940 con Betsy James y tuvo 2 hijos Nicholas y Jamie.  En 1945 murieron su padre junto con un sobrino de 3 años en un trágico accidente con el coche en el que viajaban al ser arrollados por un tren. Wyeth reconoció que ese hecho, además de ser una tragedia personal, iba a marcarle emocionalmente su carrera. 

“Christina’s World”  (81.9 x 121.3 cm)

“Christina’s World” (81.9 x 121.3 cm)

 

En 1948, estando en la granja de los Olsom, en Maine, pintó una de  sus obras más popularizadas y de mayor influencia,  Christina’s World”, ahora  propiedad del MOMA de Nueva York.  Christina padecía una enfermedad degenerativa que fue progresivamente debilitando su musculatura hasta que la impidió caminar. Christina se negó a utilizar la silla de ruedas, quizás para evitar verse como su padre que ya en 1922 tuvo que depender de una. En el momento en que Wyeth empezó esta obra, Christina tenia 55 años y tenia que arrastrarse, como en la imagen en que se está dirigiendo hacia su hogar. A pesar de su enfermedad fue una buena modista (el vestido que lleva en el cuadro lo había realizado ella misma). A partir de una serie de bocetos y empleando a su esposa como modelo para el torso, Wyeth empezó el cuadro, primero pintando la hierba, brizna a brizna; posteriormente añadió los edificios y finalmente la figura femenina. Para el cabello empleo como modelo a una tía suya. El zapato lo encontró en una casa abandonada. Los detalles de sus brazos y muñecas transmiten un estremecimiento al espectador.  Esta obra ha tenido mucha influencia en la cultura: en pintura, en novelas  e incluso en el cine (aparece en 2001: una odisea en el espacio; en Días de cielo;  en Verano de seducción, etc.) . Incluso hacen referencia a ella en Los Simpsons y Snoopy. En ese año empezó a pintar a  sus vecinos Anna y Karl Kuerner. Ese entorno se mantuvo como uno de sus principales sujetos durante casi 30 años.

Mrs. Kuerner

Mrs. Kuerner

 

 A la edad de 33 años, las manchas de sangre que aparecían en su almohada condujeron a que le descubrieran las bronquiectasias que afectaban a sus pulmones. Fue sometido a una drástica intervención en la que le abrieron el tórax de arriba abajo,  para extirparle una parte de su pulmón y con repercusiones sobre su musculatura que le hicieron pensar que jamás volvería a pintar. Durante su convalecencia pintó The Trodden Weed aunque para ello tenia que suspender su brazo con poleas fijadas al techo. Las botas de caballero francés  que aparecen en el cuadro pertenecieron a Howard Pyle (maestro de su padre) y fueron un regalo de navidad de su esposa. Wyeth se las ponía en sus largos paseos para recuperarse. Explicó que “esa pintura viene a significar la relación entre mi grave enfermedad y el rechazo a aceptarla, una especie de huida”. 

The Trodden Weed

The Trodden Weed

 A medida que se recuperó continuo con su trabajo y enseñado a pintar a su hijo Jamie. Este aprendió rápido y  empezó a cotizarse. De manera que mientras miraba el flamante Corvette de su hijo, comentó “Algún día seré conocido como el padre de James Wyeth”.

Desarrolló una complicidad emocional con la tierra y el mar que recorría en interminables paseos y  que después de docenas de estudios a lápiz o acuarela convertía finalmente en obras a la acuarela, con la técnica del pincel seco o con la tempera al huevo.

Pennsylvania landscape (89,5 x 119,7 cm)

Pennsylvania landscape (89,5 x 119,7 cm)

 

 

 

Christina Olsen

Christina Olsen

 En 1969 murió Christina Olsen y centró su atención hacia Siri Erickson de la que realizó impresionantes desnudos como el de Indian Summer (1970).

 

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Indian Summer

En 1986 reveló la existéncia de una serie de casi 250 obras (bocetos, estudios, dibujos, 32 acuarelas, 12 obras a pincel seco y 5 temperas) basadas en su vecina Helga Testorf y que llevo a cabo desde 1971 a 1985. Con la particularidad de que ni la esposa del pintor ni el marido de Helga conocieron la existencia de dichas obras hasta la citada revelación.  Wyeth reconoció el amor hacia Helga como un amor hacia un objeto o un paisaje y con ese sentimiento la plasmó en sus obras. Actualmente dicha colección es propiedad de un industrial japonés.

Helga: lovers

Helga: lovers

La crítica fue, generalmente, negativa por considerarle como un ilustrador sentimental en un momento en que el arte abstracto y el expresionismo estaban en auge, pero el público  le profesó un impresionante reconocimiento y admiración por entender que su obra tenia un alto contenido emocional, simbólico y una subyacente abstracción. Incluso a algunos observadores les parecer oír los sonidos procedentes de obras como Distant Thunder (1961) o Spring Fed (1967).

Distant Thunder

Distant Thunder

Spring Fed

Spring Fed

Day dream

Day dream

 Wyeth comentó en una entrevista en el 2008 que “La gente sólo te provoca un viraje en tu trabajo. No quiero enseñarle a nadie en lo que estoy trabajando. Si no les gusta, es malo y si les gusta, también lo es. El artista debe trabajar en la intimidad para ser  bueno”.

The carry

The carry

 

 

 

 

 

 

 

Fue galardonado con innumerables reconocimientos a su obra:

       2007, National Medal of Arts

       1963, Presidential Medal of Freedom

       1977, elegido por la Académie des Beaus-Arts (el segundo pintor americano después de John Singer Sargent)

       1980, elegido por la Royal Academy británica

       1988, Congressional Gold Medal (el mayor honor civil para un americano)

 Para más información sobre el autor y su obra:

http://www.andrewwyeth.com/

 http://www.brandywinemuseumshop.org

http://www.museumsyndicate.com

Podeis realizar búsquedas en Youtube con varios buenos vídeos

Libros:

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Sorprendido, me he quedado mudo, inmóvil. Estaba realizando una búsqueda de imágenes en Google, iba pasando las docenas de páginas tan rápido como podía para buscar mi objetivo. Pero una imagen determinada me ha frenado bruscamente. Estoy mirando óleos, muchos de una forma fugaz, a algunos les dedico una breve mirada crítica,  algunos ignorándolos, pero he sentido que tenia que pararme y ver quién había realizado esta obra:

"Manzanas", Oleo sobre lienzo, 46 x 38 cm.

"Manzanas", Oleo sobre lienzo, 46 x 38 cm.

 Cualquier comentario sobre la maestría del autor seria poco. Pero, estoy seguro, de los incontables bodegones con manzanas que hemos visto este tiene un “algo” especial que seguramente los críticos de arte intentarían definir después de emplear un sinfín de adjetivos y de interpretaciones. En cualquier caso, a partir de ahora me declaro ferviente admirador de Fernando Rivero Ramírez. Os dejo el enlace a su web y ya me diréis vuestra opinión: www.frivero.com

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Presentació sobre les obres d’Isabel Guerra. Sorprenent!

Cliqueu aqui:  obras_de_isabel_guerra.pps  

Isabel Guerra «Quiero transmitir un mensaje de paz y esperanza»

La monja pintora presenta ‘El libro de la paz interior’, de imágenes y reflexiones.

Isabel Guerra es una monja cisterciense cuya afición a la pintura le ha llevado a exponer en las principales galerías. Ahora nos muestra  su obra en un libro.¿Es un libro de pintura? Yo soy más pintora que escritora, aunque he colaborado en alguna revista. En este libro se recogen mis pinturas, pero también algunos textos espirituales que pretenden transmitir el mismo mensaje que mis cuadros: paz y esperanza para el hombre de hoy. ¿Qué llegó antes: la llamada artística o la espiritual? Comencé a pintar a los 12 años y aprendí yo sola, de forma autodidacta. Pero a la vez sentí la llamada de Dios, aunque es una decisión que se madura durante un poco más de tiempo. ¿Cuáles son sus temas preferidos? Intento recoger ambientes de paz y de encuentros con uno mismo. Son temas de la vida cotidiana en actitudes reflexivas. Lleva mucho tiempo en Zaragoza, ¿se siente de aquí? Yo siempre digo que tengo dos ciudades, Zaragoza y Madrid, y son los dos lugares en los que he vivido y he expuesto. Aquí me siento muy querida y la exposición que presenté en la Lonja fue una de las más visitadas. ¿Qué es lo que más le gusta de su faceta de pintora? Lo más gratificante es cuando alguien me comenta que mis cuadros le transmiten paz porque es lo que yo busco, que mis pinturas inviten a meditar. * Monasterio cisterciense de Santa Lucía (Maestro Racional, s/n), 12 h. Gratis. BIO Nació en Madrid en 1947 y vive en Zaragoza desde los 23 años