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Dissabte es va inaugurar la exposició «També per a daltònics» amb una xerrada-col·loqui en que amb el Miquel Seguer varem comentar les obres presentades i també varem explicar la percepció del color i el daltonisme. Us agraïm la bona acollida que li heu donat. Hi estarem a les tardes de 6 a 8, però no descartem obrir algun migdia si algú està interessat en anar-hi en aquest horari.
Tanto Miquel Seguer como yo, os agradecemos la buena acogida que dispensasteis al acto inaugural de la exposición. Nos llenó de satisfacción encontrar semejante respuesta después de nuestro esfuerzo y de la ilusión que habíamos depositado en este evento. Reconocemos que muchos de los asistentes tuvieron que hacer largos desplazamientos para poder asistir, hecho que hace que valoremos aún más su compañía. En síntesis que en todo momento encontramos un cálido soporte por parte de todos. Gracias!
Vídeo de las intervenciones de Seguer y Surribas en la presentación:
Aspecto general durante la inauguración
Aspecto general durante la inauguración
Miquel Seguer, Santiago Arnau y Pau Surribas
Hemos de felicitar también a Santiago Arnau y su equipo por la profesionalidad que demostraron y por el trato cordial que recibimos de su parte.
Una de las palabras más bonitas que puedo encontrar es «VIDA». Simple pero cargada de contenido y evocaciones. No me extenderé en elogiarla pero echaré mano al Diccionario de la R.A.E.:
vida.(Del lat. vita).
1. f. Fuerza o actividad interna sustancial, mediante la que obra el ser que la posee.
2. f. Estado de actividad de los seres orgánicos.
3. f. Unión del alma y del cuerpo.
4. f. Espacio de tiempo que transcurre desde el nacimiento de un animal o un vegetal hasta su muerte.
5. f. Duración de las cosas.
6. f. Modo de vivir en lo tocante a la fortuna o desgracia de una persona, o a las comodidades o incomodidades con que vive.
7. f. Modo de vivir en orden a la profesión, empleo, oficio u ocupación.
8. f. Alimento necesario para vivir o mantener la existencia.
9. f. Conducta o método de vivir con relación a las acciones de los seres racionales.
10. f. Ser humano.
11. f. Relación o historia de las acciones notables ejecutadas por una persona durante su vida.
12. f. Estado del alma después de la muerte.
13. f. prostitución (‖ actividad de quien mantiene relaciones sexuales a cambio de dinero). Echarse a la vida Ser de la vida
14. f. Cosa que origina suma complacencia.
15. f. Cosa que contribuye o sirve al ser o conservación de otra.
16. f. Estado de la gracia y proporción para el mérito de las buenas obras.
17. f. Vista y posesión de Dios en el cielo. Mejor vida Vida eterna
18. f. Expresión, viveza, especialmente hablando de los ojos.
19. f. Animación, vitalidad de una cosa o de una persona. Esta ciudad tiene poca vida nocturna Es un cuadro con mucha vida
A raíz de lo expuesto y pensando en la próxima exposición «También para daltónicos», decidí realizar un par de obras alegóricas a la vida, en ambas elegí el mismo formato y la misma imprimación: una emulsión de hierro que dejé que se oxidara buscando un efecto similar al acero corten (introduciendo la primera clave: el oxígeno como elemento primordial de la vida).
«VidADN», técnica mixta sobre tela, 72×92 cm
Sobre la base mineral del hierro oxidado, Krom pinta la doble hélice del ADN (la molécula generadora de la vida). El color verde simboliza el mundo vegetal; el azul, el agua y el rojo, el mundo animal. En cuanto a la composición, ex profeso la figura de Krom queda demasiado a la derecha, descompensando el cuadro, para significar el desequilibrio causado por el hombre.
«VIDA», técnica mixta sobre tela, 72×92 cm
En esta obra, la referencia a la vida se hace de una manera más directa: una explosión de color entre las turbulencias en las que estamos inmersos. En el fondo, la frase «La vida todo lo cura» convertida a «La vida todo lokura!«, un hecho que va siendo cada vez más cierto. Krom, concentrado en su trabajo mientras su cuerpo parece que vaya siguiendo el ritmo de las turbulencias.
Espiral de Fibonacci
La imagen es creación de Andres «Pentaro» Gómez y esta tomada del blog: ¡#$%&! Cómics
Herencia genética del daltonismo
La deuteranopsia y deuteranomalía son las formas más frecuentes de daltonismo y van ligadas a los cromosomas sexuales (XY). Las posibles combinaciones que se pueden dar:
1. Madre normal y padre normal: ninguno de sus hijos será daltónico ni portador.
2. Madre normal y padre daltónico: 66% de hijas portadoras. Hijos, normales.
3. Madre portadora y padre normal: el 50% de sus hijas seran portadoras y el 50% de sus hijos seran daltónicos.
4. Madre portadora y padre daltónico: 50% de hijas portadoras, 50% hijas daltónicas, 50% hijos daltónicos.
5. Madre daltónica y padre normal: todas las hijas portadoras y todos los hijos daltónicos.
6. Madre daltónica y padre daltónico: todos los hijos daltónicos.
Estadísticamente, lo más habitual es la madre portadora con un padre normal.
En cuanto a la pregunta ¿Cómo recibió el daltonismo la primera mujer transmisora de tu familia?, cabe considerar dos opciones:
1. Una mutación genética que afectó al gen M, responsable de la visión de los verdes.
2. Considerando que lo más habitual en el reino animal es la visión dicromática (sólo dos receptores para el color, cómo los daltónicos), la cuestión sería ¿Por qué se desarrolló un tercer tipo de receptor para los colores?. Sería porque a nuestros antecesores con tres receptores les iba mejor en términos de supervivéncia.
Referente a la visión de los colores en los animales, dejo un extracto de
La visión cromática en los animales (Chromatic vision in
animals). B. Hugues. REDVET. Revista electrónica de Veterinaria 1695-7504
2008 Volumen IX Número 11
En dependencia del número de pigmentos visuales que posea la especie, su
visión se clasifica como:
• Monocromática: 1 tipo de cono. Ej: Mapaches y salamandras.
• Dicromática: 2 tipos de conos. Incluye la inmensa mayoría de los
animales.
• Tricromática: 3 tipos de conos. Es el caso del hombre y los
primates.
• Tetracromática: 4 o más conos. Entre los que están las aves, reptiles
y peces. Ven el ultravioleta. (Citado por Del Risco et al, 2008).
Ya se sabe que los perros no ven el rojo y el verde, un objeto que para un
humano tiene esas tonalidades, el perro lo verá amarillo o dentro de la
gama de los grises respectivamente (Maniero, 2006). Los gatos tienen un
sistema de percepción dicromático (Herrera, 2002). Lo que parece rojo
para nosotros es absolutamente oscuro tanto para los perros como para
los gatos, y una parte del espectro verde es indistinguible del blanco.
Colores que parecen intensos para los humanos son más tonos pastel para
el gato que ve el verde del césped como un césped blanquecino y un
arbusto de rosas como un arbusto blanquecino con las rosas oscuras
(Brooks, 2000).
Las aves, que emplean los colores para el reconocimiento sexual y la
reproducción, ven en colores. Las que son de presa y las rapaces, en
especial las águilas y los halcones, son las que tienen mejor sentido de la
visión. La visión de las aves diurnas es de cuatro colores pudiendo ver
algunos que no son visibles para otras especies, transitando la capacidad
de ver colores desde el rojo, naranja, amarillo, verde, azul y sus tonos
hasta incluir por ultimo los colores reflejados por la luz ultravioleta radiada
por el sol; mientras que las nocturnas como los búhos y las lechuzas solo
ven en blanco y negro, no obstante tienen con una gran agudeza visual en
horas crepusculares de poca iluminación, por tener un elevado número de
bastones -células especializadas en este tipo de visión en la retina-.
En realidad hasta hace poco existía un gran desconocimiento del
comportamiento de la visión en las aves y cómo reaccionaban frente a
determinados colores o tipos de iluminación. Hoy sabemos no solo el
alcance visual de estas especies sino además de cómo algunos colores
pueden serles atractivos o desagradables , por ejemplo los machos poseen
colores llamativos apropiados a su plumaje nupcial, sin embargo pueden
parecer lámparas fluorescentes a la visión de un ave enjaulada, como
destellos continuos, algo así como un “dancing” perpetuo e incómodo
(Willis, 1999).
Los equinos ven las tonalidades azules y rojas (Herrera, 2007).
Los hámsteres distinguen solamente el blanco y el negro (Gaitano, 2001),
mientras que las jicoteas tienen una vista bien desarrollada, pueden
distinguir formas y colores, como el anaranjado del azul, el azul del verde y
del gris (Ferri, 1993). Los primates suelen ver entre las gamas del violeta-
azul, verde-amarillo y amarillo-rojo (Pérez 2008).
Bovinos, ovinos y caprinos tienen visión dicromática, con conos de máxima
sensibilidad a la luz amarillo-verdosa y azul-purpúrea. La mayoría de estas
especies ven una gama completa de dos colores, por lo general toda la
gama que va del verde al azul. La creencia difundida de que el toro se
enfurece con el rojo del capote es incierta; lo que le llama la atención es el
movimiento del mismo.
En las abejas se ha podido comprobar que su alto sentido de percepción de
los colores, siendo capaces de diferenciar el amarillo, el verde-azul y el
azul. No pueden ver el rojo y fácilmente lo confunden con el negro; en
cambio pueden ver el ultravioleta, referido anteriormente. También pueden
llegar a diferenciar el anaranjado y el verde.
En los peces la visión cromática depende de la profundidad o la turbulencia
de las aguas. En ellos puede haber especies monocromáticas, dicromáticas
-peces de aguas turbias- , tricromática -peces de arrecifes coralinos- y
tetracromática -peces de agua cristalina dulce- que captan el ultravioleta.
Sin embargo, los animales que viven en las profundidades oceánicas,
carecen de visión en colores, habiendo en ellos solamente bastones a nivel
de la retina.
Las ranas y sapos pueden ver en colores y tienen una buena visión.
Algunas especies de lagartos no pueden distinguir los colores, aunque ven
bien durante el día.
Las mariposas: poseen cuatro tipos diferentes de conos. Pueden ver una
amplia gama de colores.
El camarón mantis tiene por lo menos 12 clases de células sensibles al
color y probablemente sea el animal que más colores perciba.
Mapaches y salamandras sólo disponen de bastones, por lo que no pueden
percibir color alguno, sino solamente cambios de intensidad de luz en
escala de grises.
Los pulpos no ven los colores, sólo poseen un tipo de cono y se necesitan
dos como mínimo para distinguir los colores.
Los animales cuyo cuerpo muestra colores opacos, obscuros y poco
llamativos, como en la mayor parte de los mamíferos, excepto en el
hombre, generalmente tienen una visión muy limitada de los colores o los
ven pero no los perciben de la misma manera que los humanos. Sin
embargo, los que ostentan colores fuertes y brillantes, en algunas o todas
las estructuras de su cuerpo, como muchas aves, reptiles, peces, insectos y
algunas arañas, son capaces de distinguirlos.
La visión cromática reporta determinados beneficios a los habitantes del
reino animal, referidas a la alimentación (atracción de los insectos por el
color de las plantas), la actividad sexual (los colores llamativos de algunas
aves machos, notables sobretodo en la época sexual para atraer a las
hembras) y la defensa o protección del organismo (mimetismo) (citado por Del Risco, et al 2008).
Arrels (Raíces) Acrílico s/DM 41x80 cm
Barranc del solà (Barranco de la solana) Óleo s/DM, 50x80 cm
Camí de Torallola (Camino de Torallola), Acrílico s/DM, 50x80 cm
Contrallum (Contraluz) Óleo s/DM 50x80 cm
L'hort (El huerto), acrílico s/DM, 50x100 cm
Obaga
Pomera (Manzano), acrílico s/DM, 50x100 cm
Revolt del camí (Recodo del camino), Óleo s/tela, 73x146 cm
La forma más habitual de daltonismo afecta a los conos M, los más sensibles a la luz verde. Existen diversos grados, asi puede ir desde la falta total de dichos receptores, la deuteranopía, con ceguera total para esos colores, hasta un funcionamiento anómalo, con menor severidad.
Visión normal
Rueda cromática vista por un daltónico
A continuación aparece un cuadro de Miquel Seguer y como lo vemos los daltónicos (para nosotros no hay diferencia entre ambos):
Campo con amapolas
No os puedo explicar la diferencia, yo los veo iguales, pero los "normales" las veréis
Ahora, aplicando la misma simulación, un cuadro mío tal y como yo lo veo y pinto y como lo ve una persona normal (he de reconocer que cuando pinto suelo pedir ayuda a mi hijo Víctor, para que me indique si he cometido algún error intolerable y corregirlo: he pintado caballos de color verde creyendo que había reproducido fielmente su color castaño; cielos demasiado rosados; etc.)
"Barranc del solà"
Así lo veo yo
Finalmente, comparemos un cuadro de Monet:
Monet
Monet, visto por un daltónico
Espero que os haya servido de ayuda para entender un poco mejor la visión de los daltónicos. Por cierto, si alguien no ve claramente las diferencias quizás sea un daltónico.
Pau Surribas › Crear nueva entrada — WordPress.
Meta-pintura: usando la pintura para referirme a la pintura
En una série de obras he querido hacer referéncia al arte del graffiti. Para ello he usado un maniquí de madera como elemento característico del estudio de un pintor y que simboliza en este caso al grafitero. Como pintor de graffitis tiene su propio tag o alias: Krom, término que hace referéncia a la disCROMatópsia (daltonismo o ceguera para los colores) que tengo.
En estas obras, más alla del sentido estético o plástico de la obra, pretendo que el espectador se divierta buscando el mensaje de la obra mediante unas claves y símbolos.
Conflictos
Según el Diccionario de la Lengua Española:
Conflicto.
(Del lat. conflictus).
1. m. Combate, lucha, pelea. U. t. en sent. fig.
2. m. Enfrentamiento armado.
3. m. Apuro, situación desgraciada y de difícil salida.
4. m. Problema, cuestión, materia de discusión.
5. m. Psicol. Coexistencia de tendencias contradictorias en el individuo, capaces de generar angustia y trastornos neurótico
Para representa los conflictos, la obra emplea las siguientes claves:
1. La lucha entre la luz y la sombra
2. Dos palomas picasianas de la paz peleándose por el ramo de olivo.
3. La palabra paz en hebreo y en árabe (paradigma de conflicto).
4. Dos figuras de ajedrez para reflexionar sobre nuestro papel en este juego de ajedrez que es la vida: somos piezas o somos jugadores. Krom puede “pensar” que él es el artista pero no es más que una pieza jugada por otro.
5. Un túnel como salida pero con la amenazante pantera en la entrada.
6. La palabra Lottare (luchar), casi ilegible, en la parte baja de la pared del tunel. Haciendo referencia a la frase en italiano “Lottare sempre, arrendersi mai” (luchar siempre, nunca rendirse).
Pintos
Esta entrada enlaza con una anterior, la de «Quants cavalls hi veieu?», una pintura en la que aparecen camuflados 5 caballos entre las rocas y la nieve. En principio sólo parece un divertido juego, un entretenimiento de algún artista ingenioso. La búsqueda del autor, en este caso autora, me ha llevado a conocer a la reconocida (y bién cotizada) Bev Doolittle, sus obras -acuarelas en su mayoría- y su implicación con diversas organizaciones conservacionistas con las que colabora aportando anonimamente una parte de los ingresos de las ventas de sus obras.
Bev Doolittle, nació en 1947 en California en el seno de una familia numerosa. Ya de niña destacó por su creatividad artística. En 1968 se graduó en el Art Center College of Design de Los Angeles, donde conoció a Jay con el que se casó y iniciaron un periodo de cinco años dedicados a la publicidad y TV. Aunque reconoce que era un trabajo bien remunerado, decidieron dejar la ciudad y adquirieron una caravana con la que recorrieron Estados Unidos y Canada. Se confiesa una amante de la naturaleza. Dice «intento mirar más allá de lo obvio y crear obras únicas, representaciones significativas de nuestro salvaje oeste y de sus habitantes. Empiezo con un concepto y procuro convertirlo en un diseño sólido lleno de detalles realistas. Quiero que la gente piense cuando estén contemplando mis pinturas»
Sus obras son auténticos «best seller». Sus imágenes dentro de otra imagen retan al observador a buscar algo más de lo que inicialmente han visto sus ojos. Combina los caprichoso con lo místico y lo espiritual con sus particulares conceptos de «camuflaje».
Two Indian Horses
Los dos indios
Two Indian Horses, una de las más populares obras de camuflaje. En una estudiada composición en la que los caballos dirigen la mirada hacia el soldado de la derecha mientras que dos indios piesnegros se agazapan dando lugar a que sospechemos que alguna cosa inesperada esta a punto de suceder.
Una obra de 108×40 cm en edición limitada que puede adquirirse por unos 3750.00$.
The forest has eyes
En este se trata de compartir las emociones del jinete que debe «leer» en las hojas, ramas y piedras que va encontrando porqué de ello puede dependerle la vida. También hemos de verlo como la historia de un hombre que atraviesa territorio indio con los temores que esto debe producirle. Pero otro mensaje es el de su soledad durante días que provocan que en su imaginación vea rostros ocultos. Finalmente, quién no ha tenido la sensación de ser observado cuando se encuentra en medio de un bosque?
Prayer for The Wild Things
La pregaria del Jefe Pluma de águila, dándole las gracias al Gran Espiritu por las criaturas salvajes con las que comparte el mundo. Después de meses de trabajo, Bev consiguió representar 34 animales de 26 especies distintas. Sirvió de base para un trabajo conjunto con Paul Winter que compuso la música que complementa la obra.
Earth is my Mother
La Tierra es mi Madre, pertenece a un libro en el que se cuenta la historia de Sarah, una niña de 11 años luchando por preservar la fragilidad de un cañón del desierto ante su prevista urbanización.
Hide and Seek
El Escondite es una colección de 24 obras en las que esconde a un pony pinto en un paisaje nevado. Reunidas convenientemente forman el mensaje.
Sacred Circle
Walk Softly
Album Sacred Circle
El Círculo Sagrado expresa la belleza y la «medicina» de la naturaleza, con el círculo como símbolo de la vida. La «medicina» de los indios conecta a la persona con el Gran Misterio y todo lo viviente. El Círculo comprende una serie de metáforas en que la vida, los animales y sus actitudes, aportan lecciones de cómo vivir. El ser humano debe ser el guardián de este círculo protegiendo y preservando el entorno natural. La huella del lobo suele ser lo único que los humanos vemos de él. Aquí, el espíritu del animal aparece para invitarnos a disfrutar de la vida salvaje sin destruirla.
When the Wind Had Wings
Eagles Flight
Hay una série de libros de/o sobre la artista: Art of Bev Doolittle, The Earth is my Mother, The Forest has Eys y Reading the Wild.
El enlace con su página web: www.bevdoolittle.net
Podeis ver unos videos de youtube en los que se ve a la artista trabajando o sus obras (pulsad el triangulo «atrás» para regresar a esta página).
http://es.youtube.com/watch?v=IU36-kCNelQ
http://es.youtube.com/watch?v=2DXenr_QnM4
Woodland Encounter
Un estudio de camuflaje, en el que el rojo color de la zorra atrae la atención del observador, mientras que escondidos estan los peligros reales…
Al contemplar una obra, me gusta imaginarme «en la piel» del artista, hacer suposiciones de cómo ha ido componiendo el cuadro, qué ha intentado expresar, la técnica que ha empleado hasta llegar al cuadro final. Por este motivo permitidme que os exponga la historia de «Bucle», un óleo sobre tela de 170×80 cm.
La obra estaba destinada a un concurso de arte de Salàs de Pallars. Ya de entrada, imaginaba una forma amarilla resaltando sobre un fondo uniforme. La forma, primero una mancha, fue tomando diversos aspectos hasta que empezó a pedir volumen. Iba alternando desde una masa abstracta e inconexa hasta figuras más reconocibles. Una esfera que devino una figura de sección tórica (como un inmenso donuts) que progresivamente se elongó y retorció y se abrió hasta llegar a la idea de un bucle. El bucle debería proyectar una sombra sobre el fondo con lo que se uniría a este. Uno de los extremos no iba a aparecer, el otro terminaría de manera imprecisa, para que cada espectador interpretará que desde un origen desconocido se llegaba a un final o viceversa. Por otra parte tenía que representar con exactitud los diferentes entrecruzamientos pero sin llegar a quedar demasiado «relamido».
Una vez expuesta la obra, fue divertido escuchar las discusiones entre los espectadores en las que cada uno defendía su propia tesis sobre de qué objeto se trataba. He de reconocer que fueron mayoría los que lo quisieron identificar como una manguera de jardín. A los que me buscaban para que les corroborase su acierto les respondía con una sonrisa que les dejaba convencidos de que habían descubierto el significado del cuadro.
Para mi, lo importante era que no pasaran delante de la obra sin que ésta les invitará a detenerse y contemplarla. Creo que eso, si que lo conseguí.
Algunos me han preguntado sobre cómo podían dejar su comentario. Veréis que a la derecha del título de la entrada aparece una llamada (en forma de elipse), colocad el cursor encima y «clicad», se os abrirá una ventana para escribirlo.
He de reconocer que después del esfuerzo por mantener un blog, se agradece que te dejen comentarios, sugerencias, opiniones, etc.
Gracias
En primer lugar, felicito al Ayuntamiento de Talarn por haber llegado a la 15ª edición de este concurso. Les hago dos sugerencias: 1) Deberían pensar en una solución para evitar la larga cola en la calle y con frío para realizar la inscripción 2) En la entrega de premios, montar una tarima que permita ver a los artistas, organizadores y patrocinadores (el acto se realizó en una sala abarrotada de gente y difícilmente el público podía ver lo que ocurría). En cualquier caso, como residente en el Pallars, es una alegría disfrutar de eventos de esta categoría.
Con mi hijo Víctor de 8 años, «nos tiramos a la piscina»: nos presentamos al concurso de pintura. Ya sólo al llegar, cuando vimos la cola de primeras figuras de la pintura que estaban esperando para inscribirse, tuvimos ganas de desaparecer. Pero nos inscribimos y fuimos a buscar un rincón para pintar. A mi hijo le pareció bien la «FONT DE CAPS» y empezó a hacer borradores en un bloc. Yo inicié el bosquejo de mi cuadro. Pero en mi cabeza se repetían la imagen y las palabras de mi queridísima esposa cuando, la noche anterior, le expuse mi proyecto: frunció la nariz y me preguntó «¿Y, por qué no pintas árboles que se te dan muy bien?«. Ya sé que lo anterior no sirve de excusa, que fue un comentario bienintencionado, y que la realidad era que yo pretendía afrontar un reto con gran dificultad y mínima experiencia por mi parte. Mi mano empezó a no querer responderme -quizás también por el frío que hacía por aquella densa niebla que nos envolvía-. Sentí como cuando tienes prisa porque vienen invitados a cenar ¡Y SE TE CORTA LA MALDITA MAYONESA!. Cuando ya tuve una buena dosis de desánimo, inicié una segunda obra encima de la primera… buscaba un motivo sin que tuviera que moverme y dejar a mi hijo sin responderle a sus constantes preguntas de «Papa ¿qué te parece lo que hago?» (reconozco que yo solo murmuraba algo así como «… muuuy bien, ¡sigue, sigue!». Segundo intento y «se volvió a cortar la mayonesa». ¿Iba a rendirme? : jamás. Así que me di la vuelta en busca de algún motivo que me sirviera de inspiración, lo único que encontré fue esto:
Alrededor de mediodía, había consumido la mayor parte del tiempo concedido (de las 10 a las 14h). Sobre una tela ensuciada por los bocetos de las dos obras previas empecé a aplicar «pegotes» de pintura con un resultado que reconozco como una de mis peores obras:
Pero bueno, me alegré de la experiencia, tuve la ocasión de codearme con grandes artistas, y me sentí muy digno como «cola de león» (sólo hubo un par de cuadros que consideré igual o peor que el mío).
Se concedieron 8 premios, creo que bastante bien dotados económicamente. El jurado, como parece que viene siendo costumbre, hizo «alguna de las suyas» pero no soy yo quien voy a cuestionar su «inapelabilidad». Os dejo alguno de los primeros premios:
1er premio (1200€): Aida Mauri
2º premio (950€)
3er premio (850€)
4º premio (750€)
6º premio(550€)
8º Premio (400€). Manel Crosa
Reconozco que he de terminar de poner los nombres de los ganadores, los premios 5º y 7º y que la calidad de las fotografías deja bastante que desear. Si alguien puede enviarme mejores imágenes le dejo mi correo: pausurribas@gmail.com.
He de incluir una de las obras que más me gusto, creo que es de Manuel García:
Impresionante obra de Manuel García
Finalmente, como no, os presento la «opera prima» de Víctor (el cuadro de arriba a la izquierda):
Primer cuadro de Víctor (arriba a la izquierda)
Tengo dos aficiones: el caballo y el caballete. En la primera tengo la suerte de vivir en una zona privilegiada en la que se puede pasear por la montaña, ríos, un lago y una infinidad de caminos poco transitados. Además, cuento con algunos amigos con lo que las salidas se hacen más amenas. Entre estos, Pepe Franch y su caballo español Bufón que destaca por su nobleza. Es un caballo joven, entero, pero no tenemos problemas ni aún que mi yegua «se le insinúe». He intentado pintar al caballo, la idea era realizar una obra sobre madera y que esta apareciera como fondo para darle un aspecto más natural y más cálido al cuadro. Después de un par de intentos os presento el resultado. He intentado dejar que la pinceladas marquen los volúmenes sin llegar a profundizar en el detalle. En algunas zonas, no he cubierto la madera para que actúe como sombra y armonice el conjunto. Espero que a Pepe (y, sobretodo, a Carola -su novia-) les guste lo suficiente como para no dejarlo en un armario.
"Bufón", óleo sobre tabla, 50x50cm
Sorprendido, me he quedado mudo, inmóvil. Estaba realizando una búsqueda de imágenes en Google, iba pasando las docenas de páginas tan rápido como podía para buscar mi objetivo. Pero una imagen determinada me ha frenado bruscamente. Estoy mirando óleos, muchos de una forma fugaz, a algunos les dedico una breve mirada crítica, algunos ignorándolos, pero he sentido que tenia que pararme y ver quién había realizado esta obra:
"Manzanas", Oleo sobre lienzo, 46 x 38 cm.
Cualquier comentario sobre la maestría del autor seria poco. Pero, estoy seguro, de los incontables bodegones con manzanas que hemos visto este tiene un «algo» especial que seguramente los críticos de arte intentarían definir después de emplear un sinfín de adjetivos y de interpretaciones. En cualquier caso, a partir de ahora me declaro ferviente admirador de Fernando Rivero Ramírez. Os dejo el enlace a su web y ya me diréis vuestra opinión: www.frivero.com
En el antiguo camino de Pobla a Salàs hay un grupo de robles centenarios que la erosión del terreno hace que queden con las raíces al aire. Las formas de esas raíces, la luz del sol a primera hora de la mañana y la sombra sobre las rocas adyacentes fueron la inspiración para este cuadro (o.s.t. de 126×92 cm). Disfrute mientras lo pintaba, pero mi gran satisfacción vino cuando se lo pidió como regalo de cumpleaños a su marido una amiga que en su casa tiene obras de reconocidos artistas, pero este le deseaba porque era el de su elección personal. Recordaré la ilusión con la que buscaba un lugar para colgarlo.
Mi amigo Josep Verdú, «motor» del centro cultural Comú de Particulars de La Pobla de Segur (Lleida), me animó a realizar una exposición conjunta de nuestros trabajo. Lo hicimos a finales del mes de septiembre, bajo el lema de «Un divertimiento», puesto que nos sabemos aprendices con sueños de artista y no pretendíamos nada más que presentar nuestras obras y animar a más gente a coger los pinceles, por su cuenta o apuntándose en alguno de los cursos que se realizan en el Comú. A mitad de la exposición, Verdú me comento que era costumbre que los artistas que exponen allí cedan una obra al fondo de arte del centro. Como la exposición era de dos personas, ¿cedíamos dos obras o realizábamos una «a cuatro manos»?. Nos decantamos por esta segunda opción a sabiendas que era un reto intentar conjuntar dos estilos diferentes. La solución me la dió mi hijo Víctor, cuando le vi contemplando un cuadro de Verdú: yo iba a pintar al niño en la sala y Josep su propio cuadro. Y, aquí tenéis el resultado:
Recientemente recibí un correo de mi hermana (María José) en el que aparecía un link a una página de un pintor llamado Josep Icart. Después de visitarla -me pareció muy interesante- consulté en tinet.org y en un blog de vilaweb y os dejo un resumen sobre este artista, su obra y, como no, la página que le han dedicado.
En tinet.org:
JOSEP ICART Tarragona 1928-1985
La vida: una obra en constante evolución.
Se educa como artista en la Escola d’Art de la Diputació de Tarragona. En 1943 obtiene una beca de ésta institución. En 1959 obtiene el premio de la XII Exposición de Arte de San Sebastián-Donostia. En 1956 la medalla de bronce de pintura nacional. Desde 1953 se dedica a la restauración de iglesias y edificios históricos dañados por la Guerra Civil Española. En 1959 pasa la frontera del arte figurativo al abstracto. Viaja en busca de experiáncias pictóricas a París. En 1969, en Roma, sufre un infarto que marcará definitivamente su trayectoria. En 1979 empieza a trabajar como profesor de Técnicas Pictóricas en la Escola Taller d’Art de la Diputació de Tarragona. En 1974 obtiene la Medalla Tapiró. Se inspira principalmente en los paisajes catalanes del Camp de Tarragona: Cornudella, Prades, la sierra del Montsant. Realiza muchísimas exposiciones por toda Catalunya y el Estado Español. Enamorado de la luz mediterránea, de la salobridad del mar y de los misterios de la naturaleza, experimenta constantemente con el color y hace de la vida una obra en constante evolución.
En el blog de vilaweb:
Icart, malauradament desaparegut i desconegut pel gran públic, és un artista de culte reconegut només en cercles iniciats, pel seu particular món d’abstracció paisatgística. Era un treballador compulsiu totalment lliurat a la recerca d’una expressió anímica a través de la llum, el color i el ritme vibrant de màgica fluïdesa marcat pel seu característic traç de pinzell. No és només un artista contemplatiu de la bellesa del paisatge, sinó que esdevé un crit militant del dolor i de les ferides del planeta blau. La seva pintura té una força tel·lúrica , és la veu immemorial de la naturalesa expressada des de la contemporaneïtat…
La tasca del MAMT
La vasta producció de l’obra de Josep Icart va estar oculta, preservada de la mirada dels curiosos per motius contundents: no signava els quadres fins que no els exposava i, sortosament, va produir molt. A vegades trigava anys per donar per acabada una tela i en tenia moltes d’obertes, mentre estudiava com resoldre el seu diàleg amb la llum de cada quadre. Durant dues dècades l’obra va ser guardada gelosament per evitar una dispersió que la pogués malmetre, doncs calia posar un ordre previ abans de mostrar-la al gran públic. Fins que una autoritat acadèmica reconeguda com el Museu d’Art Modern de Tarragona (a través de l’exposició comissariada per Raquel Medina «Josep Icart, la natura immanent» i l’edició del corresponent llibre- catàleg) no va fer front a la ingent tasca de catalogar les nombroses peces produïdes pel mestre, la família no es va veure en cor de mostrar l’obra amb totes les garanties. Després d’això s’ha produït un fenomen a petita escala, que va «in crescendo» i sembla que hi ha expectatives de generar projectes als seu entorn. Icart va morir però la seva pintura el manté viu.
Biografia Josep ICART (Tarragona, 1928 – 1985)
Josep Icart s’instrueix, seguint una primerenca vocació artística, a l’Escola d’Art de la Diputació de Tarragona. El 1943 obté una beca de la mateixa Diputació. El 1956 guanya la medalla de Bronze de pintura Nacional i el 1959 obté el premi de la XII Exposición de Arte de San Sebastian – Donostia – País Basc, data en què passa la frontera del figuratiu a l’abstracció. Viatja a la recerca d’experiències pictòriques a París. Al 1969, a Roma, pateix un infart que marcarà definitivament la seva trajectòria. El 1971 començà a treballar com a professor de tècniques Pictòriques a l’Escola Taller d’Art de la Diputació de Tarragona. El 1974 obté la medalla Tapiró. Captivat pel paisatge mediterrani i particularment per la comarca del Priorat, la seva especial orografia l’inspira en la seva constant i apassionada recerca. Realitza exposicions arreu de tot Catalunya i de l’Estat Espanyol i treballa amb un marxant nord-americà.
Enamorat de la llum mediterrània, de la salabror del mar i dels misteris de la natura, Josep Icart no és només un artista contemplatiu de la bellesa del paisatge, sinó que esdevé un crit militant del dolor i de les ferides del planeta blau. Ara, després de vint anys de la seva sobtada mort, aquest missatge és més evident que mai, al mateix temps que ens recupera la memòria de la seva figura. ICART: COMPROMÍS AMB LA NATURA.
D’una manera subliminal, la pintura de Josep Icart traspua una profunda càrrega ideològica i un compromís amb la defensa de l’entorn i la natura. Formalment també expressa de paraula la seva admiració, gairebé mística, per les forces tel·lúriques que venera, respecta i admira. Però és a través de la llum i del color quan estableix un compromís amb la natura amenaçada per l’acció de l’home.
Per entendre això hem de partir de l’època fosca, quan ja no és un pintor de cavallet a l’exterior i esdevé, un pintor d’estudi angoixat per la malaltia i l’efímer gest de la vida. És un temps en que frueix vivint, observant, trepitjant, escoltant i respirant el paisatge. Estimant-lo amb passió, captant l’ànima viva de la Terra. Per això surt als camps ocres, camina per les verdoses muntanyes, passeja vora el mar pregon i s’omple els pulmons d’oxigen transparent. Més que observar, sent. D’aquesta manera, manté un diàleg secret amb la natura que més tard reproduirà amb els seus pinzells.
Icart trepitja els camps de Castella, pesca a la costa de la seva Mediterrània natal, a Tarragona; cerca fòssils, recull bolets dels boscos de Prades, herbes de les muntanyes del Priorat, còdols dels rierols del Montsant. Ensuma l’aire de la pluja i la terra mullada, llegeix els núvols del cel rogenc, cerca l’aigua endevinant el curs soterrat dels rius, interpreta els vents i el cant dels ocells. Josep Icart s’aferra a la vida, la vida és el paisatge i el paisatge ho és tot. El seu ecologisme i el seu discurs són purament artístics perquè la única arma que sap emprar son els pinzells.
Però el seu compromís ecològic té una doble vessant: d’una banda, la recerca pictòrica en una lluita contra rellotge (coneix la gravetat de la seva afecció cardíaca) i de l’altra el paral·lelisme que estableix entre el seu cor amenaçat per la malaltia i el nostre planeta amenaçat per la contaminació. L’època fosca és plena de pessimisme, desprès del primer infart sofert a Roma, el paisatge es converteix en una abstracció que ens evoca formes orgàniques tan de les interioritats de les vísceres humanes, com de les interioritats cavernoses de la Terra. Aquests paral·lelismes Cos / Món, Malaltia / Contaminació es mantindrà en l’època cromàtica quan esclataran els colors vius en un constant treball de recerca pictòrica que el farà créixer i ser reconegut. Ara ja no pinta l’interior orgànic sinó que, en l’abstracció, s’allunya del cos propi i pinta horitzons o sobrevola bellíssims paisatges on s’hi endevina una espiritualitat manifesta.
Paradoxalment en la darrera època, el color esdevé més dolç en benefici d’una llum cada vegada més clara, psíquica i incorpòria. És com un preludi de comiat abans de la mort, la ubicació del paisatge en l’ànima.
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Enlace a la página de Josep Icart: http://www.josepicart.cat
Vivo en La Pobla de Segur (Lleida), en la vecina localidad de Salàs de Pallars se organiza anualmente una feria de arte en sustitutción de una de las más prestigiosas ferias de ganado equino que se realizaban en España hasta la llegada de la mecanización al campo. El entorno esta muy bien, a los artistas se les asignan antiguos establos para exponer sus obras y se lleva a cabo un concurso de arte. El jurado suele tener una especial predilección por el arte abstracto lo que motiva que algunos artistas declinen a presentar sus obras porqué las considerarán demasiado figurativas y también que algunos presenten obras abstractas que son auténticos churros. En síntesis que artistas y público salen perdiendo.
En la convocatoria de este año decidí presentar «mis dos churros», a modo reivindicativo y también como revulsivo para que los organizadores busquen nuevas fórmulas que permitan que la feria tenga el éxito y la repercusión que todos le deseamos.
Obra realizada en varias sesiones mediante múltiples veladuras
Obviaré cualquier opinión subjetiva sobre los mismos puesto que si ya me reconozco como pintor principiante, sé que aún estoy menos capacitado para realizar críticas.
Mis mejores deseos para la Fira d’art, aunque les auguré un futuro crítico.
Después de haber pasado unas cuantas horas buscando entradas sobre el tema de reflejos en el agua -materia que estamos trabajando con nuestro querido profesor Miquel Seguer- he tenido la suerte de encontrar la página de Elena Madden que me ha sorprendido con su obra centrada en este tema.
Para ir a su página, os dejo su link (clicar encima): #mce_temp_url#
Zhaoming Wu nació y se inició en la pintura en China, se trasladó a EUA. Ahora está trabajando y dando clases en la Academy of Fine Art University en San Francisco. Ha recibido innumerables premios por sus trabajos. En una entrevista declara que «Cuando estoy mirando al modelo, súbitamente la silueta del cuerpo me recuerda montañas o colinas y la luz parece un amanecer o atardecer. Y cuando la luz incide sobre la figura, la ropa y telas me recuerdan el movimiento del agua. En ese momento me doy cuenta que estoy teniendo una respuesta muy personal del modelo.». Presenta una deliciosa combinación de abstracto sobre figurativo. La figura femenina -tema que parece demasiado recurrente en muchas exposiciones- la trata de manera original, haciendo que no veamos «un torso más» sino que sabe cautivar la atención del espectador tanto por el enfoque como por los colores empleados. El paisaje lo trata de forma sencilla pero contundente. Creo que no os defraudará visitar su web: http://www.zhaomingwu.com
Adjunto una pequeña muestra de su obra que ejemplifica los comentarios previos y espero que os incite a conocer más a este artista. Espero vuestros comentarios. Hasta pronto.
Pau Surribas 