Exposició SEGUER-SURRIBAS: «També per a daltònics»

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Meta-pintura: «Conflictos»

Pau Surribas › Crear nueva entrada — WordPress.

Meta-pintura: usando la pintura para referirme a la pintura

En una série de obras he querido hacer referéncia al arte del graffiti. Para ello he usado un maniquí de madera como elemento característico del estudio de un pintor y que simboliza en este caso al grafitero. Como pintor de graffitis tiene su propio tag o alias: Krom, término que hace referéncia a la disCROMatópsia (daltonismo o ceguera para los colores) que tengo.

En estas obras, más alla del sentido estético o plástico de la obra, pretendo que el espectador se divierta buscando el mensaje de la obra mediante unas claves y símbolos.

Conflictos

Según el Diccionario de la Lengua Española:

Conflicto.

(Del lat. conflictus).

1. m. Combate, lucha, pelea. U. t. en sent. fig.

2. m. Enfrentamiento armado.

3. m. Apuro, situación desgraciada y de difícil salida.

4. m. Problema, cuestión, materia de discusión.

5. m. Psicol. Coexistencia de tendencias contradictorias en el individuo, capaces de generar angustia y trastornos neurótico

Para representa los conflictos, la obra emplea las siguientes claves:

1. La lucha entre la luz y la sombra

2. Dos palomas picasianas de la paz peleándose por el ramo de olivo.

3. La palabra paz en hebreo y en árabe (paradigma de conflicto).

4. Dos figuras de ajedrez para reflexionar sobre nuestro papel en este juego de ajedrez que es la vida: somos piezas o somos jugadores. Krom puede “pensar” que él es el artista pero no es más que una pieza jugada por otro.

5. Un túnel como salida pero con la amenazante pantera en la entrada.

6. La palabra Lottare (luchar), casi ilegible, en la parte baja de la pared del tunel. Haciendo referencia a la frase en italiano “Lottare sempre, arrendersi mai” (luchar siempre, nunca rendirse).

Màrius Carretero

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Adios a Màrius Carretero

El pasado 26 de julio moría de manera súbita y dando una clase delante de su caballete el artista leridano Màrius Carretero.

Nacido en 1946, este gran personaje se dedicó a la pintura, con excelencia en el dominio de la acuarela y también a la escultura y poesía.

Sus sujetos más habituales eran los recodos de los ríos con los  reflejos de los árboles y la barca blanca que aparece en tantas de sus obras y que generalmente esta sola.

Os dejo una imagen del artista y algunas de sus obras:

Muy recomendable visitar su página:

http://www.infomarius.com

Andrew Wyeth: in memoriam

 

Wyeth fotografiado por Peter Ralston

Andrew Wyeth nacido el 12 de junio de 1917 falleció el pasado 16 de enero a la edad de 91 años. Reconocido como pintor realista, a menudo definido como de realismo mágico, con un estilo regionalista. Wyeth afirmó  “Magia! Es lo que hace sublimes a la cosas. Marca la diferencia entre el arte profundo de un cuadro y la pintura de un objeto”. En su obra hay que encontrar metáforas que se relacionan con temas de recuerdos, nostalgia y pérdidas. Su vida y su obra se realizaron entre Pennsylvania y el estado de Maine.

Fue el menor de cinco hijos del artista y ilustrador Newell Convers Wyeth. De su familia han surgido otros importantes artistas. Su formación se la debió a su padre que desde los 15 años le sometió a una intensa disciplina para aprender las técnicas del dibujo (pasó horas dibujando y redibujando bodegones y esqueletos humanos entre otros temas). Refiere que mientras estaba pintando meticulosamente una acuarela, se le acerco su padre, cogió el pincel, lo lleno de pintura y realizó unas pinceladas sueltas y le dijo “Andy, tienes que liberarte”, fue uno de aquellos consejos que quedaron grabados en su mente. 

 

Winter farm scene (57.8 x 78.7 cm)

Con sólo 20 años realizó su primera exposición de acuarelas en la Macbeth Gallery de New York, vendiendo la totalidad de las obras expuestas. Empezaba a ser una celebridad mundial. Encontrando la acuarela demasiado fácil decidió introducirse en el arte del temple al huevo (clara de huevo mezclada con pigmento puro)  ayudado por  su cuñado Peter Hurd. Era admirador de la obra pintores renacentistas y pintores americanos, especialmente de Winslow Homer.

 

Brandywine Valley (55.6 x 76.3 cm)

Se casó en 1940 con Betsy James y tuvo 2 hijos Nicholas y Jamie.  En 1945 murieron su padre junto con un sobrino de 3 años en un trágico accidente con el coche en el que viajaban al ser arrollados por un tren. Wyeth reconoció que ese hecho, además de ser una tragedia personal, iba a marcarle emocionalmente su carrera. 

“Christina’s World” (81.9 x 121.3 cm)

 

En 1948, estando en la granja de los Olsom, en Maine, pintó una de  sus obras más popularizadas y de mayor influencia,  “Christina’s World”, ahora  propiedad del MOMA de Nueva York.  Christina padecía una enfermedad degenerativa que fue progresivamente debilitando su musculatura hasta que la impidió caminar. Christina se negó a utilizar la silla de ruedas, quizás para evitar verse como su padre que ya en 1922 tuvo que depender de una. En el momento en que Wyeth empezó esta obra, Christina tenia 55 años y tenia que arrastrarse, como en la imagen en que se está dirigiendo hacia su hogar. A pesar de su enfermedad fue una buena modista (el vestido que lleva en el cuadro lo había realizado ella misma). A partir de una serie de bocetos y empleando a su esposa como modelo para el torso, Wyeth empezó el cuadro, primero pintando la hierba, brizna a brizna; posteriormente añadió los edificios y finalmente la figura femenina. Para el cabello empleo como modelo a una tía suya. El zapato lo encontró en una casa abandonada. Los detalles de sus brazos y muñecas transmiten un estremecimiento al espectador.  Esta obra ha tenido mucha influencia en la cultura: en pintura, en novelas  e incluso en el cine (aparece en 2001: una odisea en el espacio; en Días de cielo;  en Verano de seducción, etc.) . Incluso hacen referencia a ella en Los Simpsons y Snoopy. En ese año empezó a pintar a  sus vecinos Anna y Karl Kuerner. Ese entorno se mantuvo como uno de sus principales sujetos durante casi 30 años.

Mrs. Kuerner

 

 A la edad de 33 años, las manchas de sangre que aparecían en su almohada condujeron a que le descubrieran las bronquiectasias que afectaban a sus pulmones. Fue sometido a una drástica intervención en la que le abrieron el tórax de arriba abajo,  para extirparle una parte de su pulmón y con repercusiones sobre su musculatura que le hicieron pensar que jamás volvería a pintar. Durante su convalecencia pintó The Trodden Weed aunque para ello tenia que suspender su brazo con poleas fijadas al techo. Las botas de caballero francés  que aparecen en el cuadro pertenecieron a Howard Pyle (maestro de su padre) y fueron un regalo de navidad de su esposa. Wyeth se las ponía en sus largos paseos para recuperarse. Explicó que “esa pintura viene a significar la relación entre mi grave enfermedad y el rechazo a aceptarla, una especie de huida”. 

The Trodden Weed

 A medida que se recuperó continuo con su trabajo y enseñado a pintar a su hijo Jamie. Este aprendió rápido y  empezó a cotizarse. De manera que mientras miraba el flamante Corvette de su hijo, comentó “Algún día seré conocido como el padre de James Wyeth”.

Desarrolló una complicidad emocional con la tierra y el mar que recorría en interminables paseos y  que después de docenas de estudios a lápiz o acuarela convertía finalmente en obras a la acuarela, con la técnica del pincel seco o con la tempera al huevo.

Pennsylvania landscape (89,5 x 119,7 cm)

 

 

 

Christina Olsen

 En 1969 murió Christina Olsen y centró su atención hacia Siri Erickson de la que realizó impresionantes desnudos como el de Indian Summer (1970).

 

Indian Summer

En 1986 reveló la existéncia de una serie de casi 250 obras (bocetos, estudios, dibujos, 32 acuarelas, 12 obras a pincel seco y 5 temperas) basadas en su vecina Helga Testorf y que llevo a cabo desde 1971 a 1985. Con la particularidad de que ni la esposa del pintor ni el marido de Helga conocieron la existencia de dichas obras hasta la citada revelación.  Wyeth reconoció el amor hacia Helga como un amor hacia un objeto o un paisaje y con ese sentimiento la plasmó en sus obras. Actualmente dicha colección es propiedad de un industrial japonés.

Helga: lovers

La crítica fue, generalmente, negativa por considerarle como un ilustrador sentimental en un momento en que el arte abstracto y el expresionismo estaban en auge, pero el público  le profesó un impresionante reconocimiento y admiración por entender que su obra tenia un alto contenido emocional, simbólico y una subyacente abstracción. Incluso a algunos observadores les parecer oír los sonidos procedentes de obras como Distant Thunder (1961) o Spring Fed (1967).

Distant Thunder

Spring Fed

Day dream

 Wyeth comentó en una entrevista en el 2008 que “La gente sólo te provoca un viraje en tu trabajo. No quiero enseñarle a nadie en lo que estoy trabajando. Si no les gusta, es malo y si les gusta, también lo es. El artista debe trabajar en la intimidad para ser  bueno”.

The carry

 

 

 

 

 

 

 

Fue galardonado con innumerables reconocimientos a su obra:

–       2007, National Medal of Arts

–       1963, Presidential Medal of Freedom

–       1977, elegido por la Académie des Beaus-Arts (el segundo pintor americano después de John Singer Sargent)

–       1980, elegido por la Royal Academy británica

–       1988, Congressional Gold Medal (el mayor honor civil para un americano)

 Para más información sobre el autor y su obra:

http://www.andrewwyeth.com/

 http://www.brandywinemuseumshop.org

http://www.museumsyndicate.com

Podeis realizar búsquedas en Youtube con varios buenos vídeos

Libros:

 

 

 

 

 

 

 

Gustau Chalamanch: exposición en La Pobla de Segur

Entre los días 20 de diciembre y 6 de enero (de 18 a 21h), el artista Gustau Chalamanch realizará una exposición en  el Molí de l’oli. 

Nacido en La Pobla en 1961, fue discípulo de artistas como Miquel Villà y Enric Porta, de los que supo coger el relevo y progresar hasta su actual y característico estilo. Es capaz de convertir el detalle aparentemente más irrelevante de su entorno en una sólida obra de arte. 

Es una exposición  que no nos podemos saltar.

Os adjunto un par obras suyas para los que aun no lo conocéis. 

 

¿Cómo hacer comentarios en este blog?

Algunos me han preguntado sobre cómo podían dejar su comentario. Veréis que a la derecha del título de la entrada aparece una llamada (en forma de elipse), colocad el cursor encima y «clicad», se os abrirá una ventana para escribirlo.

He de reconocer que después del esfuerzo por mantener un blog, se agradece que te dejen comentarios, sugerencias, opiniones, etc.

Gracias

via Pau Surribas › Crear nueva entrada — WordPress

«15è Concurs de pintura ràpida al carrer. Talarn. 8 i 9 novembre de 2008»: FUÍ COLA DE LEON…

En primer lugar, felicito al Ayuntamiento de  Talarn por haber llegado a la 15ª edición de este concurso. Les hago dos sugerencias: 1) Deberían pensar en una solución para evitar la larga cola en la calle y con frío para realizar la inscripción 2) En la entrega de premios, montar una tarima que permita ver a los artistas, organizadores y patrocinadores (el acto se realizó en una sala abarrotada de gente y difícilmente el público podía ver lo que ocurría). En cualquier caso, como residente en el Pallars, es una alegría  disfrutar de eventos de esta categoría.

Con mi hijo Víctor de 8 años, «nos tiramos a la piscina»: nos presentamos al concurso de pintura. Ya sólo al llegar, cuando vimos la cola de primeras figuras de la pintura que estaban esperando para inscribirse, tuvimos ganas de desaparecer. Pero nos inscribimos y fuimos a buscar un rincón para pintar. A mi hijo le pareció bien la «FONT DE CAPS» y empezó a hacer borradores en un bloc. Yo inicié el bosquejo de mi cuadro. Pero en mi cabeza se repetían la imagen y las palabras de mi queridísima esposa cuando, la noche anterior,  le expuse mi proyecto: frunció la nariz y me preguntó «¿Y, por qué no pintas árboles que se te dan muy bien?«. Ya sé que lo anterior no sirve de excusa, que fue un comentario bienintencionado, y que la realidad era que yo pretendía afrontar un reto con gran dificultad y mínima experiencia por mi parte. Mi mano empezó a no querer responderme -quizás también por el frío que hacía por aquella densa niebla que nos envolvía-. Sentí como cuando tienes prisa porque vienen invitados a cenar  ¡Y SE TE CORTA LA MALDITA MAYONESA!.  Cuando ya tuve una buena dosis de desánimo, inicié una segunda obra encima de la primera… buscaba un motivo sin que tuviera que moverme y dejar a mi hijo sin responderle a sus constantes preguntas de «Papa ¿qué te parece lo que hago?» (reconozco que yo solo murmuraba algo así como «… muuuy bien, ¡sigue, sigue!». Segundo intento y «se volvió a cortar la mayonesa». ¿Iba a rendirme? : jamás.  Así que me di la vuelta en busca de algún motivo que me sirviera de inspiración, lo único que encontré fue esto:

Alrededor de mediodía, había consumido la mayor parte del tiempo concedido (de las 10 a las 14h). Sobre una tela ensuciada por los bocetos de las dos obras previas empecé a aplicar «pegotes» de pintura con un resultado que reconozco como una de mis peores obras:

Pero bueno, me alegré de la experiencia, tuve la ocasión de codearme con grandes artistas, y me sentí muy digno como  «cola de león» (sólo hubo un par de cuadros que consideré igual o peor que el mío).

Se concedieron 8 premios, creo que bastante bien dotados económicamente. El jurado, como parece que viene siendo costumbre, hizo «alguna de las suyas» pero no soy yo quien voy a cuestionar su «inapelabilidad». Os dejo alguno de los primeros premios:

1er premio (1200€): Aida Mauri

 

2º premio (950€)

 

3er premio (850€)

 

 

4º premio (750€)

 

 

6º premio(550€)

 

 

8º Premio (400€). Manel Crosa

Reconozco que he de terminar de poner los nombres de los ganadores, los premios 5º y 7º y que la calidad de las fotografías deja bastante que desear. Si alguien puede enviarme mejores imágenes le dejo mi correo: pausurribas@gmail.com.

He de incluir una de las obras que más me gusto, creo que es de Manuel García:

 

Impresionante obra de Manuel García

Finalmente, como no, os presento la «opera prima» de Víctor (el cuadro de arriba a la izquierda):

 

Primer cuadro de Víctor (arriba a la izquierda)

Miquel Seguer: artista y profesor

 

Seguer impartiendo una lección

En lo referente a la Pintura, y lo escribo en mayúscula para referirme a la que se realiza de una forma seria y consistente, podemos diferenciar al Pintor del Artista. Entiendo que el Pintor es aquel que con una buena dosis de oficio, ejecuta una obra técnica y académicamente correcta. El Artista, además, sabe aportar un componente personal de creatividad y originalidad a sus obras. En este sentido, creo que Miquel Seguer se ha ganado la consideración de Artista. Además, a diferencia de otros, tiene una marcada capacidad y vocación docente,  fruto de esta actividad ha conseguido que un grupo considerable de personas del Pallars nos aficionemos a la pintura.  También he de decir -con una alta dosis de humor- que siento que me hace la «competencia»…. he notado que mis pacientes, a menudo, mejoran más de sus dolencias cuando acuden a sus clases que cuando toman las pastillas que les receto, algo de terapéutico tendrá la pintura.

Os dejo un par de obras del artista (por las que siento especial predilección) y el link de su web.

 

Para acceder a su web: http://www.seguer.cat  

Jaume Malaret: luz y color de Catalunya

Con motivo de mi estancia en un conocido hotel de Barcelona, atrajeron mi atención los cuadros colgados en la pared del dormitorio y fué así como descubrí a Jaume Malaret. Este pintor catalan, nació en el Ampurdan en 1940 y ha seguido una carrera de prefeccionamento y busqueda de la luz, color y emociones. Su estudio me parece simplemente  increible:

Como muestra he seleccionado alguna de sus obras:

Os recomiendo visitar su página web (clicar): www.malaret.net

Ya me dareis vuestra opinión. Un saludo

John Goffe Rand: inventor del tubo de pintura

  En 1841 un pintor americano residente en Gran Bretaña patentó el tubo de pintura substituyendo los  recipientes hechos con piel. Su aportación permitió a muchos artistas llevar facilmente las pinturas fuera del estudio. Como dijo Renoir «sin los tubos de pintura, no existirian los impresionistas». Hemos de agradecerle  un elemento de uso tan cotidiano para los que pintamos (tambien cabe destacar que en poco tiempo se aplicó su invento para la pasta dentífrica). Murió en la ruina después de intentar un invento que permitiera prolongar el sonido de las notas del piano.  

Un impressionista americà: Gregory Packard

Gregory Packard un impressionista que m’ha impressionat: colors radiants, pinzellades fetes amb decissió i domini del medi.  Val la pena que visiteu la seva web: http://www.gregorypackard.com/front/packard%20writing.html  ja em donareu la vostra opinió.

Els dibuixos realístics

En un blog en àrab d’un egipci (http://hosam-sunray.blogspot.com) he trobat aquest dibuix que em sembla bastant divertit. S’ha d’anar en compte amb els dibuixos massa realístics!

Bon any 2008

En resposta a un correu, la Ilana Yahav ha escrit:

Thank you so much.

You words moved me!

I attach a new clip for the New Year.

Happy New Year!

Ilana

Ilana Yahav

Sand Artist

www.sandfantasy.com

Es recomanable anar a la seva pàgina i veure els seus treballs.

BON ANY 2008!!

Antonio López García

 l’Antonio, ens ha escrit:

Hola!

 

Si podeu mireu al google «Antonio López, pinturas ( http://www.aut.org/BU04?Autnum=5.787)», són hiperrealistes, tot i que moltes vegades no sabem per què es diuen així; a mi m’ agraden molt des de sempre. Envio una mostra qualsevol i així podeu dir que aquí no cal interpretar res i és un descans entre tanta «basura».

Una forta abraçada. Antonio

Antonio López García

Pintor de estilo hiperrealista, identifica la temporalidad y el deterioro de lo material. Antonio López García es, en definitiva, un artista que busca dentro de la realidad que lo circunda los aspectos más cotidianos, los cuales están tratados con un enorme detallismo fotográfico como bien está demostrado en su obra titulada «Cuarto de baño».

Una vida «pintada»
Es Antonio López García un pintor español que nació en Tomelloso, Ciudad Real. Se lo ha considerado como el padre de la escuela hiperrealista madrileña, estilo que ha influido en artistas como Toral o Villaseñor. Se formó junto a su tío, también pintor, Antonio López Torres.

Entre 1950 y 1955 estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Una vez finalizados sus estudios, alternó su trabajo entre Tomelloso y Madrid. Y fue en ese entonces cuando realizó sus primeras exposiciones individuales (entre 1957 y 1961) en esta última ciudad.

En 1961 se casó con la también pintora María Moreno, con quien tuvo dos hijas: María y Carmen. Desde 1964 y hasta 1969 fue profesor encargado de la Cátedra de Preparatorio de Colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

Su obra está influida por Salvador Dalí de quien tomó el gusto por la realidad y el predominio del dibujo sobre la pintura. Asimismo, en su estilo hiperrealista se identifica la temporalidad y el deterioro de lo material. Antonio López García es en definitiva un artista que busca, dentro de la realidad que lo circunda, los aspectos más cotidianos tratados con un enorme detallismo fotográfico como bien está demostrado en «Cuarto de baño». Asimismo, su obra fue adaptada al cine por el director cinematográfico Víctor Erice en el film titulado «El sol del membrillo» (1992).

Su obra y reconocimiento
Su obra abarca desde lo pictórico -donde se encuentran «Los novios» (1955), «Cuarto de baño» (1969) y «La Gran Vía» (1974 – 1981)- hasta lo escultórico -en donde está representado «Hombre y mujer» (1968)-. También se destacan «Madrid desde Torres Blancas» (1982), retratos de sus propios familiares, elementos de la naturaleza, «Membrillos y granados». Los objetos y los sucesos de la vida ordinaria son los protagonistas de sus cuadros.

En el año 1985 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias; y en enero de 1993 fue nombrado miembro de la madrileña Real Academia de San Fernando.

Sobre “arte” y “artistas”

En esta permanente búsqueda sobre qué es arte y quién es artista  no es extraño encontrar obras en las que el artista nos muestra montones de basura que al ojo del observador “poco cultivado” resultan ininteligibles y, a veces, nos desorientan más cuando nos dicen el titulo o las diferentes interpretaciones que de  ella hacen el autor o sus críticos. 

Navegando por este “oceanoso” internet, he visto unas obras de Tim Nobel y Sue Webster:

  Pero, en esta ocasión, esos montones de trastos, con una correcta iluminación, nos muestran un resultado bastante diferente (colocando el cursor encima de la imagen la podreis ver ampliada):     

    

Con una cierta sonrisa en los labios, les agradezco a estos artistas su habilidad  para sorprendernos tan gratamente.